全球11个著名女权主义艺术家代表作品饕餮盛宴（史上最全合集震撼发布）

Jule - the Woman,1985,125 x 105 cm

这是一幅迫近视角的肖像画，画面只有眼睛和嘴唇显示出性别特征，其他部分完全浸没在大片浓重而深沉的红色系中，既象征了女性性别，也象征着激情、本能、暴力、流血。

Het Kwaad is Banaal（evil is banal）1984

描绘的是艺术家自己，她反坐在椅子上，手扶椅背，眼睛中闪烁着异样的光芒，橘红色与橘黄色描绘的打卷的头发就像伯纳德（Bonnard）的含羞草，薄涂的色彩掩不住的底色为头发织出的闪光晕轮，制造出一种冷冷的、异样的质感。黑色与黄色系的对比、布局与用笔，表达出她作为南非白人女孩的尴尬感受与对种族歧视的厌恶。

Genetic Longing, 1984.

Erik Andriesse, 1980.

Lovers, 1984.

Emily, 1984-1985.

02

玛丽·凯利（Marry Kelly）

玛丽·凯利（Marry Kelly）曾经说过：“能看得见这个世界是一件很美妙的事情，即使你的视力是有缺陷的，又或是你所看见的东西并不是你预期的那样。”玛丽·凯利被誉为世界上最著名的女权主义艺术家之一，她为了自己的艺术梦想奋斗了45年之久，她曾经预见到女权主义运动会在全球各地逐步兴起。

Marry Kelly作品《感性负载》

玛丽·凯利说过：“如果你看过男性是如何同自己的孩子接触，他们的方式同女性与自己的孩子接触有着很大的不同。在20世纪70年代，我的丈夫雷是唯一一位将孩子放在双肩包中参加大游行活动的父亲，他习惯于一边吹着口哨一边去接儿子放学。”

有观点认为，玛丽·凯利其实并不符合一位激进女权主义者的特点，相反在她身上倒有几分禅宗的气质。玛丽·凯利说法十分安静，她所说出的语句坚定执着但又不失高雅。她的头发是美丽的棕色系，尽管现在已经70多岁，但她对于时下最尖端的技术和产品却能娓娓道来。

这件玛丽·凯利的作品表现了她的儿子最初尝试写作的过程

玛丽·凯利准确抓住了非写意的女权主义理念，她认为女性的地位不应该由身体上的差异而决定，而应该由个人的经历所决定。玛丽·凯利还指出，当年在Post·Partum Document所展出的作品不仅仅是记录了她成为母亲的经过，作品创作的过程也是对自己的历练，更是她女权主义艺术家生涯的亮点之一。

03

路易丝·布尔乔亚

艺术先锋露易丝·易丝·布尔乔亚（Louise Bourgeois）的作品包罗广泛、风格特异，结合抽象元素、身体形态和神秘的意图。这位艺术家于2010年5月31日（因心脏病发作入院后的两天）去世，享年98岁。

拥有像迷宫一样头脑的超现实主义艺术家路易丝·布尔乔亚常常将观众带回到20世纪早期的法国，那里有关于童年的回忆、不可探寻的隐秘世界以及内心深处的自白。路易斯以类似身体器官的雕塑作品抨击男权主义的艺术形式，以蜘蛛雕塑作品席卷传统的自然艺术。

作为她逝世的年代里最享誉世界的艺术家之一，布尔茹瓦的生涯非同寻常地丰富，这一生涯开始得也出奇地缓慢。1911年，布尔茹瓦生于法国巴黎的一个织毯修复人家，早年曾任艺术家费南·莱热（Fernand Leger）的助手，直至1938年移居纽约。她直到1945年6月才在纽约的伯莎·谢德画廊（Bertha Schaeder Gallery）举办了首个个展，当时据二战结束还有3个月。

在早期对绘画这一媒介进行实验后，布尔茹瓦于1949年投身雕塑创作。关于她放弃绘画而转行去做雕塑的决定，她曾如是对批评家艾美·沃拉奇（Amei Wallach）说道：“当你从绘画转至雕塑创作，这意味着你有一种攻击性的意图，你想去扭一个人的脖子。我开始成为一名雕塑家是因为这使我能够表达……此前我感到难以表达的东西。”

尽管她的雕塑作品受到她在二战期间避居纽约时熟识的、同是避居于该地的超现实主义艺术家们的雕塑作品的影响，她仍造就了自身无与伦比的风格，时常描绘生为几何形态的人体部件：手指、胳膊和阴茎。她雕塑作品的标题与她的个人经历（她极少的几次在公共场合的发言中强调过的困扰她个人的东西）暗含紧密的联系，比如1974年的作品《父之灭亡（The Destruction of the Father）》，一间小屋中充满了蛋状的雕塑，沐浴在鲜红色的光中。然而，除去曾提及其童年时受过的虐待和其父与其女家庭教师间长期的私通，她很少谈及她的生活经历，有一次她曾对一位有点儿八卦的记者说：“想让我说说我的私人生活？……我不愿意谈这个。”

她最为代表性的作品包括1968年的雕塑作品《Filette》，一件石膏和乳胶塑成的2英尺长的阴茎。她后来带着这件作品给罗伯特·梅普尔索普（Robert Mapplethorpe）拍照，并对《纽约客》的写手琼·艾可塞拉（Joan Acocella）说她知道梅普尔索普专门拍摄有大阴茎的男子。蜘蛛的形象（她将这形象与她的母亲相联系）明显地常出现在她后来的作品中，从精微、脆弱的小结构到巨大的塔式结构。其中的一个简约版曾在2008年巴黎佳士得当代艺术拍卖会上以460万美元成交，是有史以来健在的女性艺术家的作品的最高拍卖纪录之一。

十余年来，布尔茹瓦每周都在她在切尔西的寓所中举办周日沙龙，邀请艺术家们展示他们的作品，并接受她直言不讳的评点。她晚年依然充满斗志，上个月曾宣布她将为“婚姻自由组织（Freedom to Marry）”创作一款特别印制版作品，以支持同性恋婚姻。“许诺爱某个人一生是很美的一件事，”她在一份陈述中如是说。

布尔茹瓦有两个儿子，让-路易斯（Jean-Louis）和阿兰（Alain），两个孙子和一个曾孙女。

从某种意义上说，布尔茹瓦的生涯反映了女性艺术家的前进道路。1982年，她在纽约现代艺术博物馆（MoMA）的回顾展是该馆建馆半个多世纪以来的首个女性艺术家的大型个展。一系列回顾展紧随其后，包括2008年大受欢迎的古根汉姆展，“有些艺术家的灵感来自特定典范，另一些艺术家则是靠给予获得灵感，”《纽约时报》艺术批评家霍兰德·考特（Holland Cotter）在当时如是写道。“布尔茹瓦女士就是一位给予者。”

04

弗里达．卡罗

Frida Kahlo（弗里达．卡罗），1907-1954年，生长于墨西哥革命的年代，与新生的墨西哥同时诞生，她加入当时的政治社团，结交了许多共产党的朋友，其中的Tina Modotti（提娜．莫朵蒂）是位对政治充满热情，用镜头批判权威，关怀农民的人道主义者，他们对于宣扬墨西哥本土文化，有着强烈的使命感。卡罗也在这样的政治活动中，找到了这让她一生迷恋，又同时让她心碎的挚爱--墨西哥壁画艺术重要大师Diego Rivera（迪亚哥．里维拉）。

1919年，12岁的弗里达。

青少女时期一场严重的车祸，使她一生与病痛交缠，深爱的伴侣里维拉虽然与她在身心灵上都水乳交融，然而里维拉无法改变的风流与自负，一次次伤着卡罗的身心。

卡罗与丈夫里维拉的结合，曾经在外形上被戏虐的形容成像“鸽子与大象”，从照片中可以看出里维拉身形巨大，挺着个肚子，但他才其纵横，拥有许多仰慕者，卡罗在二十岁时初识里维拉，对他一见钟情。他们相差了二十岁，却是灵魂上的知己，在女性艺术家为数不多，又几乎没有机会的时代，里维拉从来不吝惜的大肆赞美妻子的天赋才华，给予能力上的最大帮助，可是里维拉无法克制的风流，不停的外遇，一次次重击着卡罗，最终将她伤得体无完肤。对政治理念的不同，叶造成他们在意见上的不合与情感上的疏离。然而，卡罗依然疯狂痴迷着里维拉，直到她过世的前一刻。

Frieda and Diego Rivera, 1931.

她曾经亲口叙述：“这一生中我遭遇了两次令我痛苦的意外，一个是公车碾过身体的意外，另一个则是里维拉。”少女时期的卡罗，是医科的预备生，野心勃勃，充满抱负，在学校里喜欢带头挑战不合理的规范，对自由与只是充满渴求，但突然来临的巨大车祸意外，造成她一辈子的身体伤痕，以及记忆伤痕。

一九四四年“破碎的脊柱”自画像，卡罗描绘了一个分裂的身体，画面中碎成好几段的爱奥尼亚式圆柱，象征着她曾经断裂的脊椎，需用无数的钢钉和支撑架固定，如此巨大的疼痛，但自画像上的她表情坚毅，美丽的双眼勇敢直视前方，但眼眶滴下的眼泪，说明了她式忍受着极大的痛苦，努力的将溃散的灵魂与肉体重组。

仿佛像是要弥补内心的失落，1932年的“亨利福特医院”，她将当时的场景赤裸裸的还原，像是在怀念着与她无缘分的胎儿。这样大胆的表现，卡罗打破了传统美学上对女性身体类似维纳斯般的膜拜，真正刻画出女人真实生命的美与丑，还原出女性生命的力道。

The Two Fridas, 1939.

在心理学上，当人们经历“落空”，会尝试用一些表现形式来填满，卡罗的画笔，式一只赋予她新生命的魔法棒，1939年的“两个卡罗”，用镜像的方式，表现出艺术家内心的自我投射，画面中的右侧的卡罗穿着墨西哥传统家乡服饰，伸出一只手，抚慰的牵着左侧穿着欧洲服饰的卡罗。左侧的卡罗手上拿着剪刀，截断的血管血流不止，暗喻永无止境的磨难 。两位卡罗，互相对话，努力使对方完整。

Self Portrait Dedicated to Dr Eloesser，1940.

1939年底，弗里达背痛加剧，右手遭受真菌感染，她的老朋友和医生Eloesser博士，建议她前往旧金山接受治疗。在病情稳定后，她为了感谢医生，花了这幅自画像。

破碎的自我构成她艺术中的最大力量，身体与心灵上的致命伤害，却是她独树一格的创作养分，她以自画像来疗愈自己，重构自我。当我们凝视着卡罗的自画像，仿佛在凝视着一个女人一瓣瓣的将内心用画笔剥开，从中看到了一种独属于女人，最原始的表现力。

Self Portrait in a Velvet Dress,1926.

Self Portrait，1930.

这年5月，弗里达在底特律又怀孕了，由于里维拉不想要孩子，也知道怀孕会给她的脊椎带来风险，因为之前的一个经验，所以她决定中止妊娠。当地的医生给她药物和蓖麻油强制堕胎。但是失败了，于是她决定怀着孩子到足月，并剖腹产。不幸的是，7月她遭遇了可怕的威胁生命的流产。随着希望的破灭，她留下这幅未完成的画作。

My Birth,1932.

Self-Portrait Along the Border Line Between Mexico and the United States,1932.

Self-Portrait Along the Border Line Between Mexico and the United States,1932.

弗里达用巨大的心脏表达了她对丈夫迭戈和她姐姐克里斯蒂娜的恋情中，她所遭受的巨大痛苦。

.Me and My Doll，1937.

Girl with Death Mask (She Plays Alone),1938.

Self Portrait with a Monkey，1938.

Self Portrait Dedicated to Sigmund Firestone,1940

Self Portrait with Monkey，1940.

在她离婚后的岁月里， 她觉着都只有宠物陪伴她。

Self-Portrait in Red and Gold Dress，1941.

Self Portrait as a Tehuana,1943.

弗里达额头的微型迭戈的画像表示她迷恋着她的丈夫。

Thinking About Death，1943.

此时，她的身体已经到了天天卧床的地步。因为身体不好，多年来，死亡总是在她心目中，象征死亡的骷髅出现在她的额头上。

Diego and Frida, 1929-1944.

Portrait with Small Monkey，1945.

La venadita (little deer), 1946,22.9 × 30.5 cm.

Tree of Hope, Remain Strong,1946.

画面中有两个弗里达，她认为在手术后她可以摆脱“胸衣”的束缚，然而这是一次拙劣的手术，产生了许多并发症，它被形容为弗里达的“结束的开始”。

Without Hope, 1945.

Without Hope, 1945.

Diego and I, 1949.

Self-Portrait with the Portrait of Doctor Farill,1951.

Self Portrait with a Portrait of Diego on the Breast and Maria Between the Eyebrows, 1954.

“我画自画像是因为我总是感受到孤身一人的寂寞，也是因为我是最了解自己的人。”

05

爱丽丝· 奈尔

爱丽丝·奈尔（1900年1月28日 - 1984年10月13日）是一位美国视觉艺术家，尤其以油画和她的肖像描绘朋友，家人，情人，诗人，艺术家和陌生人而闻名。 她的作品以线条和色彩，心理敏锐度和情感强度的表现主义使用着称。 Neel被称为“20世纪最伟大的肖像艺术家之一”。

这是半直白而近似愚弄的表达关于自己性别角色与地位的一种艺术手法。

06

Kiki史密斯

Kiki Smith 1954年生于德国纽伦堡，她的生活和后来的艺术创作都在美国进行的。史密斯出生于一个艺术之家，她的父母都是负有盛名的艺术家，她的父亲是雕塑家托尼.史密斯，母亲是歌剧演员珍妮.史密斯。

奇奇·史密斯的家庭除了是一个艺术家庭之外，还是一个典型的宗教家庭。奇奇的母亲同时信仰印度教和天主教，父亲由耶稣会士抚养长大。这对奇奇影响很深。更多的不是宗教，而是宗教为她开启的那扇灵魂大门。奇奇形容自己是有灵性的(spiritual)：“我人生最重要的一件事，就是思考上帝，或其他的灵魂。”在她之后的每一件作品里，多多少少都能发现藏于作品深处的灵性。《所有的灵魂(All Souls)》是奇奇早期的一件作品。她在自制的泰国纸上用丝网印刷了36个婴孩形象。这些相似的婴孩虽然成群排列在纸上，却更显一个个灵魂的独立性，他们蜷曲的姿态在没有背景的白纸上，显得孤立无援。

她涉足的艺术形式繁多，对材料的运用是Kiki的特长，在她创造的丰富媒介表达方式中，多种材料在她手中运用自如。而且每种材料都在其作品中做出了恰当的表达。她善于运用生活中各种材料来帮助实现作品表达的需要，这些材料包括青铜，玻璃，纸张，瓷器，头发、乳胶、树脂等，某种程度上，她像一位女巫，有一双充满魔力的手，这些平凡的材料被她的点拨之下都变得具有魔幻效果。

由此我们可以看到，Kiki对材料的特质是拥有非凡理解力的。材料因为它们的质地，光泽，比重等特质说着不同的语言，它们出现在作品里的时候，观众的感觉也因为这些不同语言的描述而受到影响。Kiki的纸上作品是这当中风格最浓郁的，她对纸有特别的偏好，对不同的纸质有深入的研究，她常常用自己制造出来的纸来创作作品。

07

Cecily布朗

Cecily Brown 1969年生于英国伦敦，现生活工作于美国纽约。Cecily Brown的绘画作品非常巧妙的将绘画、装饰性图案、形象等，彻底的抽象融为一体。

08

Paula Rego

Paula Rego是最著名的女性艺术家之一。出生于葡萄牙，一直生活在伦敦，她的作品总是具有一种神奇的现实主义感；离奇的当代神话通过一种女性观点，暗藏着心理学和性别。

燕子的毒苹果

她孤单的童年为她艺术的根源提供了线索；她在各种故事中长大：祖父母和姑妈讲的记忆中的故事等、当然还有戈雅 (Goya)。这些高端和低端文化、绘画、插图、故事混合形成了 Rego 艺术成长的背景。在Rego的作品中，她回忆并重游了她的童年生活，将她本人扮演成讲故事者的角色。她创造了她自己的故事，并沉浸在讲故事和改编故事的喜悦之中。

The Family中，缺席的父亲及丈夫回到画面中，他被女儿和妻子粗暴地对待。同往常一样，故事的线索也是隐晦的，而且可能有若干结局。两个女人是在帮助这个男人还是在伤害他？

幻想鸵鸟系列

在这些女孩与狗画作中，开始显示出一丝背离人的正常面目的动机，一种坚实的温情和隐秘的恶作剧企图，存在于女孩与狗的交往之中。宝拉·瑞戈在这些故事中，设置了多层次意图，在一种直朴的天然的形式中，让女孩分裂性地扮演着成人的白日梦与焦虑。

PaulaRego跳舞的鸵鸟系列是对Degas的一个回应。她同样也画舞女们不经意的瞬间，但是她把隐去的五官和腿现实化。她和Degas一样关心舞者的站态，身体重心的位置，但是她把Degas对女性身体的诗意阅读变成每个女性的内心独白--每个女孩子/女人心中都有一个芭蕾情结--我们都想象优美呈现的瞬间，这个想象会跟着我们到很老很老，但事实上，我们的身体不是云蒸霞蔚的梦幻，而是这里那里会多出一些肉来，每个芭蕾动作后面都有无数个笨拙练习的日夜（芭蕾舞学生一年只学几个动作）。更多的时刻我们只是在想象美好。Rego画面上总有几个比较远的舞者，她们似乎更优美，更陶醉，更像在飞翔。她的舞者不再是大自然中的客体，而是有五官，有情绪，有意志，有梦想的实体，可能是我们自身。

审讯者的花园

09

Laura Breiling

德国女权主义艺术家Laura Breiling 除了科技在努力地把男人们降格为越来越不重要，女人们也都在很努力地把自己变成铁血不羁的女权主义者……

10

琳达

作为41年出生的老艺术家Lynda Benglis一直嘲笑性观念和艺术活动的实践,抽象的表现必须有载体，即使杰克逊·波洛克需要一个画布滴他油漆;琳达Benglis摒弃画布的想法,倾倒油漆到地板上，放置金属或色彩饱和聚氨酯成画廊的角落,在地板上,或靠在墙上,有目的地创造扎堆,粘稠的形状,这不过命令注意力和散发出一种权威的感觉。观者惊叹大型壁挂式的金属雕塑让人想起的小片织物褶皱系着闪闪发光的物体。她的大量作品中这些雕塑是最引人注目的。

1974年11月，琳达（Lynda Benglis）在《Artforum》杂志上为她的下一场展览刊登了一个广告。这个广告以一种《花花公子》的风 格出现在杂志的中间插页上，它是这位艺术家自己的一张照片：她全身赤裸，戴着一副猫眼一样的太阳镜，身上有一些让人印象深刻 的晒痕以及一个超大的人造阴茎。很显然这个广告引发了不小的争议。有的艺术家因此很佩服Lynda Benglis，将这个广告看作是一种强力的艺术宣言和对以男性为主导的艺术圈的谴责。辛迪·舍曼（Cindy Sherman）（她当时还是一个年轻的学生）就曾说过这是她自己艺术生涯中的关键时刻之一；雕塑家拉里·贝尔（Larry Bell）还感谢《Artforum》将其刊登出来的勇气。而另一些艺术家对它就没什么好感了。“她的照片不适合出现在《Artforum》中，更适合出现在色情杂志中，”两位著名的女权主义者在信中写道。“它会让人联想到色情文学，根本没有什么说服力。”

11

南希·什佩罗

著名美国艺术家、女权主义者和活动家南希·什佩罗（Nancy Spero，1926-2009）。女权主义先驱Spero一生积极参与政治，她的作品通常相当激进，强烈抨击了战争、暴力、男权中心和滥用权力。

Spero大部分时间与既是她丈夫又是她合作者的Leon Golub住在纽约市。在那里，她曾以民权运动和越南战争为背景，创作了她最强有力的一些作品。Spero是纽约SoHo第一家女性合作画廊A.I.R.（常驻艺术家）的创始成员。Spero 拒绝接受当时占主导地位的战后艺术运动——女权主义者抽象流派和二十世纪五十年代的波普艺术，逐渐发展出一种集绘画、拼贴、装置和版画复制于一体的、更加短暂和直接的艺术表达方式。Spero曾将这种艺术形式称为"peinture feminine”，正如Spero 所说，这种艺术同时表现了女性在男性统治的社会中的挣扎，和美国军事力量不断制造的恐怖。Spero创造了一种基于历史和神话的鲜活灵动的视觉语言，过去和现在的各种文化均是她的灵感源泉，包括希腊、埃及、印度和异教神话中的女神。

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