前十名：男性裸体画

自人类文明诞生以来，女性裸体就一直处于艺术史叙事的中心，在某种意义上，与男性裸体相比，女性裸体在某种意义上更能接受这种身体的外化，而男性裸体通常是被认为更加非法和令人不安，也就是说，能够扰乱观众的灵魂。尽管如此，有史以来最伟大的大师们，大多是男性，以不同的方式赞美男性裸体，无论是崇敬的还是色情的，都构建了一个比喻的叙事，从最古老的文明延伸到今天，一个时间跨度这样的主体已经从神变成了单纯的“罪人”。男性裸体的这种肖像演变，通常是力量、权力和男子气概的象征，也是美丽、脆弱和性阴谋的象征，发生在从古希腊到当代的叙事中，在其外化的顶点次。在这个早期文明之前，所讨论的主题往往主要采用运动员或神的形式，因为希腊人将他们的神想象为具有人形的实体，其理想化的身体美的品质与灵魂的善良有着千丝万缕的联系。这种趋势在中世纪发生了巨大的转变，正如预期的那样，在这个历史时刻，裸体甚至变得有罪和令人尴尬，因为它与原罪有关，因此能够将更古典的崇高和强壮的身体的肖像转变成相当轻盈苗条的相貌，没有以前对自然主义的强调。下一刻是文艺复兴时期，在艺术中重新出现了古典主义，裸体流派成为展示表演能力和艺术家精湛技艺的机会。随后在 16 世纪和 18 世纪期间在整个欧洲建立了艺术学院，导致了一种有点规范和经典的裸体描绘风格，通过绘画技术被外化，在当时被认为是艺术的核心元素一种艺术教育，在这种教育中，上述流派在英雄作品中永垂不朽，在其中扮演着坚强而极具男子气概的角色。 18 世纪末和 19 世纪相当“自然主义”的倾向在后期导致库尔贝和米勒的现实主义，理想化的人让位给更真实的人物。然而，真正的革命来自于 20 世纪的前卫派，从这一时刻开始，身体以及最终远离学术语言，在毕加索的视野中变得支离破碎，或者在席勒的视野中呈现出高度折磨，永远放弃忠诚到真实基准。随着波普艺术的系列化和街头艺术的语言，进一步的和个人的观点出现了，这些运动明确地巩固了迄今为止描绘男性身体的多重和原始观点。最后，将通过以下分类探索男性裸体在无尽的艺术史叙事中所面临的路径，旨在收集该类型的最佳图例。

亚历山大·卡巴内尔， 《堕落的天使》， 1847 年。布面油画，121×190 厘米。法布尔博物馆，蒙彼利埃。

出生于 1823 年的法国历史和风俗肖像画家亚历山大·卡巴内尔 (Alexandre Cabanel) 于 1847 年创作了这幅布面油画，创作了一幅杰作，旨在表达人类最深切、最卑鄙的情感，他使路西法 (Lucifer) 的反叛永垂不朽，他，被赶出天堂，对父神怀有极度的怨恨。这种情感在古典身体中栩栩如生，非常适合赋予先知以西结书的文字形式，其中天使被描述为完美美丽的存在。尽管有这些雕像般的特征，还呈现出雄伟的斜倚翅膀，但这幅画的真正主角却是雕像的眼睛，右臂突出了部分遮住主角的脸，显得极其凄美，充满活力带着愤怒，愤慨，以及被痛苦的泪水打湿，这告诉我们路西法如何在痛苦中不打算放弃，而是非常渴望通过反对上帝的工作来满足他的报复欲望。事实上，旧约中的圣经记载讲述了上帝创造的最美丽和最聪明的天使路西法如何被逐出天堂，进入地下世界的深处，在他的哭泣中外化了他最后的善良，这给了无限充满仇恨，恶意和怨恨的方式。

彼得·保罗·鲁本斯， 《被缚的普罗米修斯》 ，1611-12 年。布面油画，243.5 厘米 × 209.5 厘米。费城艺术博物馆。

佛兰芒大师的杰作，日期为 1611 年至 1612 年，其中一个充满活力和痛苦的裸体男性身体被证明是无可争议的主角，是画家吸收多种影响的结果，他从 Tobias Verhaecht 那里汲取了风景构图的基本原理在背景中，神话场景遭受了亚当·范诺特（Adam van Noort）的影响，他是著名的裸体肖像画家和荷兰生活的无拘无束的形象。然而，关于整个构图，它看起来像是历史绘画的图像，鲁本斯在与奥托范维恩合作时能够欣赏到这一点，从而产生了一个缩短的普罗米修斯的形象，它靠近观众，还看到了对经典模型的引用，尤其是希腊戏剧性。然而，不应忽视意大利绘画对上述杰作的影响，参考米开朗基罗的西斯廷教堂、卡拉瓦乔的 tenebrism 和提香的形式。最后，作为作品主角的神话人物普罗米修斯的折磨在鲁本斯兄弟的朋友利普修斯的一首诗中得到了很好的体现，他写道：“在这里，一只长着钩嘴的巨大秃鹰钻进了普罗米修斯的肝脏，从他的折磨中得不到安宁，因为野蛮的鸟一次又一次地接近他正在更新的乳房并以惩罚的方式攻击他。[...] 人们会认为它会移动，它的羽毛会颤抖。恐怖抓住了观众。”

皮埃尔和吉尔斯的多张男性裸照之一@pierreetgilles_gilles。

再一次，就像在上面的杰作中一样，通过参考希腊传统人物的完美身体，裸体在艺术中被外化，在这种情况下是一位神：水星，从后面描绘的信使，他的脸轮廓在就像他观察一条缠绕在他手杖上的蛇一样。正是这样一种动物，在这样做的过程中，重新利用了传统上伴随众神使者的更经典的手杖或带翅膀的工作人员的肖像。另一方面，说到皮埃尔和吉尔斯，这对法国艺术家通过四手操作使上述作品栩栩如生，其中两人中的第一人创作照片，第二人用连续的图层修饰照片。旨在赋予图像生命的绘画，研究到最小的细节，经常参考神话和宗教图像，以无法抑制的性感和高度媚俗的观点重新诠释。两人的主题主要是流行音乐，特别是与同性恋、色情和宗教话题有关，以“巴洛克”风格重新审视。然而，在艺术史的主题上，描述上述 deo 的一个非常著名的杰作是 Giambologna 的飞水星雕像，保存在佛罗伦萨的巴杰罗博物馆，描绘了上述主题，同时他的左脚搁在 Zephyrus 产生的风上' 嘴。

Jean-Hippolyte Flandrin，坐在海边的年轻男性裸体，1835-36 年。布面油画，98 厘米 × 124 厘米。卢浮宫，巴黎。

排在第七位的是法国大师让-希波吕特·弗朗德林 (Jean-Hippolyte Flandrin) 的杰作，他是里昂学派新古典主义的主要倡导者之一，他在《坐在海边的年轻男性裸体》中描绘了一个赤身裸体的年轻人，双臂抱在腿上当他坐在海边的一块岩石上，四周是广阔的天空。在这种情况下，最好突出主角的脸，无法辨认和半亮，如何引导观众在模型中认出自己，其态度旨在激发回忆和孤立的反思，这是通过关闭来实现的他的眼睛。仍然关于作品的主题，值得注意的是它是在罗马制作的，也就是说，在艺术家于 1832 年赢得罗马大奖赛后进行的学习旅行期间。此外，该作品在法国艺术评论家，仍然是 Flandrin 最著名的作品之一，以至于后来被 Wilhelm von Gloeden、Claude Cahun 和 Robert Mapplethorpe 等摄影师诠释。最后，《海边的青年裸体坐像》也因20世纪以来成为同性恋文化的流行象征而为人所知。

埃贡席勒，坐着的男性裸体（自画像） ，1910 年。维也纳，利奥波德博物馆。

通过分析席勒的杰作，我们得出了对裸体的表现主义诠释，席勒是一位以通过多幅自画像诠释这一流派而闻名的大师，通常以描绘艺术家的极端形象为标志，他在无礼和挑衅的姿势，由于他瘦削、扭曲和充满紧张的身体，他摆出一种尴尬、强迫的态度和怪异的手势，这使他更像一个没有生命的 buratto 而不是一个人。保存于维也纳利奥波德博物馆的这幅1910年的作品，是在调和了强烈而颓废的表现主义笔触之后创作的，由此产生了艺术家的形象，笔直果断的线条描绘了一个男人的肌肉和胸部，没有任何变化。脚，意图漂浮在白色背景下。此外，身体不自然的扭曲，加上他皮肤的绿色、黄色和棕色调，使席勒的特征显得有些不自然，或者是疾病或痛苦状态的特征。关于后一种观点，这幅杰作实际上预示了这位艺术家时代的结束，几年后，这位艺术家几乎是预言性地死于 1918 年席卷维也纳的西班牙流感，年仅 28 岁。

卢西安弗洛伊德，裸男，后视图，1991-92。布面油画，182.9 × 137.2 厘米。纽约，大都会。 @lucianfreudart。

位置第五，我们来到德国新表现主义，处理裸体男人的分析，背影，卢西恩弗洛伊德的作品，其中大师的风格特征，通常致力于创造能够揭示人性和身体存在的强烈构图肖像的数量，在这种情况下，总结了 Leigh Bowery 的特征，这是有关杰作的模型。尽管弗洛伊德的现实主义，他描绘了上述主题，以其奢华的服装和化妆而闻名，没有任何衣服，因为他似乎蹲在画家工作室的凳子上。无论如何，由于德国画家准确地描绘了雕像的肉质背部，实现了对真实事实的保真度，充满“土丘”和“小丘”的背部似乎在喊出艺术家自己对上述内容的看法绘画类型：“我要画的是肉”。正是后面的话让我们能够详细说明这位艺术家的风格特征，他的作品以极端现实主义和对真实数据的执着追求为特征，有时以不自然的姿势描绘，以增强细节，经常夸大他们、朋友、亲戚、熟人和宠物。

William Etty，男性裸体，双臂向上伸展，1828-1830 年。  船上有油。约克博物馆信托基金（约克美术馆）。

我邀请您想象一头巨大的牛尸体，它的下肢悬挂在木支架上，而它在昏暗的环境中脱颖而出，这要归功于它的肉质的坦率和宏伟。既然你们看到了我描述的场景，你们中的许多人可能已经将它与著名的伦勃朗 1655 年的作品《屠宰的牛》联系起来，其中不幸的动物也可以被解释为一种牺牲的羔羊。后者四肢的配置同样可以让人想起威廉·埃蒂 (William Etty) 画的男性裸体中的主人公，他的双臂向上伸展，承受着痛苦，也许是忏悔。在创作这幅大约 1828 年的肖像时，这位艺术家尽管地位很高，但仍在皇家学院继续学习，在这种背景下，男性裸体、双臂向上伸展可能是为了水平悬挂作为他背上的模型，尽管这更像是对十字架后裔的研究。最后，谈到这位英国画家，他以包含裸体人物的历史画作而闻名，经常被指责为猥亵。

Jacques Louis David，男裸体，又名 Patroclus ，1780 年。

Patroclus 是新古典主义艺术家 Jacques Louis David 的一幅画作，创作于 1780 年，目前保存在瑟堡（法国）的托马斯亨利博物馆，许多人将其理解为一项研究，因为它缺乏面部细节，以及其他构图的元素，旨在接待一个背对着观众的斜倚的人。这幅裸体旨在展示雄伟的体格，同时也让艺术家展示他的技巧，精心使用灯光，以突出所描绘人物的各个方面。上述流派，在大卫是主要代表之一的新古典主义趋势中，被理解为锻炼和完善艺术家理解人体的手的必要工具，即使在这个过程的初始阶段，绘画比绘画艺术更受青睐。最后，必须报告新古典主义的一些基本概念，因为只有后者才能为我们提供对上述法国名著的完整阅读。总之，所讨论的艺术趋势寻求美丽和理想，参考了希腊艺术，希腊艺术努力创造沉稳、平静的作品，具有优雅的造型，远非离奇和奢侈的精湛技艺，通过理性的研究获得，它必须以简单的形式为目标，其特点是几乎理想化的优雅、平衡和沉着。

卡拉瓦乔，Amor vincit omnia，1601-1602。布面油画，156×113 厘米。 Gemäldegalerie，柏林。

排在第二位的是卡拉瓦乔这样的艺术家，他是 Amor vincit omnia 的创造者，这幅画中这位意大利画家描绘了一个年轻的裸体丘比特，脸上洋溢着胜利的表情，而他张开翅膀，鞠躬和手里拿着一束箭，是他权力的传统象征。后一种属性的胜利也被现在放置在地面上的战争工具所证实，就好像它们被最高贵的感情的行动打败了：爱。继续对画布的描述，如果说雕像腿的位置让人想起米开朗基罗的《最后的审判》中的圣巴尔托洛梅奥，那么充满字谜歧义的爱的幼稚表达让人想起达芬奇的面孔。因此，这两位大师可能激发了卡拉瓦乔整个作品中最浪漫的主题，如前所述，其目的是表现爱的力量的寓言，通过巴洛克风格呈现，能够以自然主义的方式表现现实，并在同时。最后，艺术家选择这个主题的原因可能是：卡拉瓦乔可能受到维吉尔在 Bucoliche 的爱情诗句的启发，或者他只是想满足他的热那亚客户 Vincenzo Giustiniani 的要求，Vincenzo Giustiniani，画家 。

米开朗基罗，创造亚当，1511 年。壁画，280 厘米 × 570 厘米。 Cappella Sistina，梵蒂冈博物馆，梵蒂冈城。

在领奖台的最高台阶上，我们发现了另一位意大利人，也是有史以来最重要的艺术家之一，不朽的米开朗基罗布纳罗蒂，《创造亚当》的作者，标志性的西斯廷教堂的壁画（梵蒂冈城，梵蒂冈博物馆） ，其中上帝位于右侧，同时悬挂在由天使和小天使支撑的灵气中。在支架的另一侧是我们感兴趣的裸体，旨在描绘人类的祖先亚当，躺在草地上，放在草坡上，放在没有细节的背景上。将最后一个角色排在第一位的决定是因为赤身裸体的亚当，当他打算将手指靠近父神的手指时，做出了艺术史上最具标志性的手势之一.关于这最后一个乐章，众所周知，米开朗基罗希望将造物主即将与他的生物进行身体接触的那一刻永生不朽，他竭尽全力将生命的火花转移到他身上。当然，这位意大利大师的灵感来自于创世记中的那句话“上帝按照他的形象创造了人，因为他创造的两个身体非常相似，即强壮和健壮。最后，我想提出以下问题：如果亚当和上帝竟然在远离对方？这样的话，地球上的第一个人此时就已经开始了独立的生活，他的目光一直注视着上帝，就像一个孩子在学走路时，不断地转身看为了他父亲肯定的目光。