试论动画角色运动与知觉的关系

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前言

近年来，伴随着数码传媒的迅猛发展，动漫作品日益增多，各式各样的卡通片，不但使儿童看得过瘾，也使大人看得津津有味。

大家都很喜欢动画，但也很想知道动画到底是怎么做的。

事实上，动画的创作也不是那么容易的，它要花很多时间去把各个场景都画出来，然后再把这些场景拼凑在一起，才能形成动画。

在做一部动画片的时候，制作者们不仅要忍受因为长时间的绘制而产生的疲劳和枯燥的感觉，同时也要考虑到里面的动作，这也是一部动画片能否引起人们注意的重要因素。

一、知觉感受对角色运动的要求

一个好的卡通人物形象，除了来自于导演与作家的创作目的外，还来自于来自于受众的感官回馈。

由于地区的差异，使得人们对卡通的喜好也各有差异，像《功夫熊猫》中的阿宝，虽然身形肥胖，但施展的是中国武术，很适合中国人的审美观。

即使选定了合适的题材，但并不代表动漫主角的表演就会很成功，随着动漫的发展，观众们对一个人物表演的要求越来越高。

要求其表演要逼真，要搞笑，要夸张，要有自己的个性，这看起来很正常，但要做到这一点，可不是那么容易的。

动漫人物和影视人物有很大区别，最大的区别就是，影视人物都有真实人物的表演，只有表演得好不好才能判断。

动画中的人物都是靠着演员们的绘画而成，这就涉及到了一个最根本的问题，那就是人物看起来像不像活物。

有些人认为，默剧是一种基本的动画，身体语言对于动漫来说是基本的，并且在全球都是通用的。

影响一个人物形象的要素有很多，但都与动作相关，比如动作的衔接、动作的缓冲、动作与表情的衔接等等。

每一个动漫人物都有一种独特的动作方式，这既是他们与其他人物不同的一个主要特征，也是他们活着的一个标志。

每个年纪都有自己的特点，小时候的小孩走起路来都很轻松，而到了中年，就会变得沉稳，脚步也会变慢，而到了年纪大的，就会一瘸一拐地走着。

这一点是不会被破坏的，所以不管人物的动作有多大，都不会超出这一点，在此基础上，制作人员可以对人物进行状态上的限制。

比如，在走的时候，可以让人物鬼鬼祟祟地走，小心翼翼地走，面容惊慌地走，昂首挺胸地走，这样的走的状态放在任何一个年纪的人物身上都不会有什么问题。

而且还能体现出人物当时的精神状况，能让人物的行动融入到周围的环境中，而不会让人觉得不自然，这就是动漫人物活力最好的体现。

另外，动漫中的角色与影视中的角色有很大的差别，那就是动漫中的每一个对象都能被视为一个人物，而并不局限于某个人、某个动物。

现在的许多动漫，都是以食物、玩具、家具、花草、汽车等物品为主人公的，这样才能更好地诠释动漫的内涵。

假如人物不是人，难道动作的功能也要遵循人的动作法则吗？是的，不管是什么对象，都是运用了拟人化的手段，模仿人的行为来进行表现，从而给一个对象以灵魂和生命。

二、知觉感受对动画角色的影响

在电影和电视传播中，受众的感知情感始终占据着主导地位。20世纪80年代，动漫作为一种艺术表达方式并未得到普遍的认同。

人们对动漫作为一种艺术表达方式的必然性提出了疑问，动漫怎样才能从电影中脱颖而出，是那个时候动漫制作者们最头疼的问题。

一部动画片，如果看起来和普通的电影没什么两样，那它的“动画”色彩也就渐渐淡了，变成了一种艺术性的电影。

当我们看一部影片时，人们的视线会跟随着屏幕上的活动对象而转动，这表明我们是在注意着活动对象。

但实际上，当一部影片被大量剪切后，我们会迅速地忘记先前看到的画面，这说明我们的大脑对所接收到的资讯进行了加工。

在视觉感知的基础上，人眼在接收屏幕上的讯息时，会迅速地与自己的记忆中相似的讯息进行比较，从而找到所关注的对象。

动画片做得跟电影差不多，只有两个问题，一是动画人物永远不会像现实中的人物那样让人觉得亲切。

由于动漫跟现实中的动漫没有太大的区别，所以动漫中的人物并没有太多的浮夸，他们的动作比较简单，表情比较平静，所以动漫中的人物都会被忽略掉。

另外，制作成本过高，也无法实现理想的目标。这也是可以解释的，投入那么多精力去做一部没有“动画”特性的动漫，肯定是没法和受众拉近关系，获得好名声的。

这些问题在许多动漫作品中都存在，比如人物动作表现出一种既不自然又不真实的感觉，人物的面部表情刻画也不够细致，这些都是动漫人物形象的不足。

从世界上最早出现的动画到现在，两百余年过去了，在此期间，人们对动画的认知也逐渐有了自己的认知，这种认知是在不同的文化背景下形成的。

因为美国和日本的动漫都是精品，在经过精心的包装和推广之后，国产动漫的水准已经被提高到了一个极高的高度。

在美术水准、人物动作流畅、表情刻画、特效表演等各方面都有极高的水准，而在普通大众眼中，国产动漫的水准却是极具挑战性的。

由此可以看出，中国动漫创作的水准在不断提高，以求在国际上获得一定的市场地位。

但并不是所有人都受到了影响，电影才是控制他们情绪的最好方法。

在法国动画电影《父与女》中，角色的轮廓很模糊，但电影却利用了灯光和背景的反差，以及背景音乐的变化，来推动剧情的发展。

电影里有许多场景被反复播放，讲述的都是小丫头在和她的爸爸告别后，去寻找她爸爸的身影，这些场景有很多，比如小丫头在大风天气里，小丫头拖着一辆自行车，看起来很累。

许多学生一同走过，女生一人驻足祈求爸爸的背影，在大雨中坚持等待着爸爸等等。

女主人公的行动表演让观众们更期待着女儿的爸爸快点回来，这也是电影里和外面达到的一种共振。

这种貌似朴实无华的卡通电影获得了非凡的成就，赢得了73届奥斯卡奖中的“最佳动画电影”。

要知道，动漫这个行业，本身就是一个很完善的产业链，而动漫的主要元素，就是动漫中的主要人物。

在看一部动画片的时候，当人们对屏幕上出现的某种刺激产生了短暂的印象时，这些刺激会对他们产生瞬间的印象。

这些印象有些深刻，有些则是模糊不清，而这些刺激通常就是动画片中的一个细节。

三、角色运动如何引导知觉获得更好的体验

《艺术与错觉》曾经说过：「当我们视野中出现一种与面孔略微类似的事物时，我们便会立即警惕并作出回应。」

在此，更是着重说明了细节的重要。对于一部动画电影来说，每个人物的每个细微之处，都会被观众看在眼里，而正是这种细微之处，决定了一部电影能否获得最终的成功。

而在这其中，对于玩家来说，最大的一个问题就是缓冲区。

要想将人物的活力完全展现出来，就必须要有缓冲的作用，缓冲处理得当，人物基本不需要太多的调整，就可以达到很好的效果。

而忽略了缓冲的表现，人物的移动就会变得迟钝，动作与动作之间的衔接不够和谐，太过僵硬。

动漫中的人物，他们的移动方式跟现实中的不一样，他们的起跳和停顿都很夸张，这既是一种提示，也是一种负担。

比如，一只非常凶恶的看门狗，正准备去追一只野猫，当看门狗做出这预备动作的时候，观众都会以为它会如箭一般奔出去。

实际上，看门狗此时有两种行为会出现，一种是飞奔出去，一种则是被主人拉住，表情由凶恶变得顺从。这两个阶段，都需要一定的准备，否则就不可能完成不同的任务。

在人物的移动中，缓冲自然是动漫中最关键的一项，此外，人物的每个行动间都存在着衔接的过激行为，而这种过激行为没有固定的运动路线，全凭动画师的直觉去创造。

位于重要动作之间的微动作指的是角色一种无意识，不经意的行为。比如说，一个人正处在蹲着的状态，经过一段时间后，他才会慢慢地起来，开始活动自己的四肢。

所以，一个简单的运动过程，就会涉及到蹲与站之间的微动作。在角色起身之后，还可以再加上一个打哈欠的动作，这个动作就表示了角色疲惫的状态。

再比如，在站起来的过程中，还会有一个跌跌撞撞的走位，这些都是因为蹲下时间太久，站起来后会有的一种常态。

这种行为并非是玩家自己所为，但是，它可以很好地体现出玩家的移动。

在每一个操作的连贯中，微动作起到了至关重要的效果，因为每一个操作的衔接都很顺畅，那么人物就会像机械一样，没有生命。

因此，要想让人物“活”过来，最主要的手段就是在人物的操作中添加一些微动作。

结语

随着科技的进步，三维动漫利用动态捕捉装置记录人物的动作，从而达到还原人物真实动作的目的，节省了很多时间和精力。

但其弊端也十分显著，即成本高昂，普及度极差。对大多数动画员而言，调整动画片中人物的运动是最基本和最关键的工作之一。

一个动漫人物的演技，直接关系到一部动漫的成败，其中最重要的就是动作。人物动作的流畅程度、夸张程度以及幽默风趣程度都会对受众的感知产生重要的影响。

人物的动作非常死板，没有任何的浮夸和滑稽可笑，让人看了就会觉得呆滞和昏昏欲睡。

相比之下，这个人物的表情很生动，很讨人喜欢，而且还能做出很好的夸张和扭曲，让人看起来很舒服。

综上所述，所有这些都是由动漫人物和感官经验的交互作用而产生的。

参考文献：

李铭《视觉原理》

EH．贡布里希《艺术与错觉》

吉尔·内尔姆斯《电影研究导论》

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