巴洛克时期的绘画艺术（上）

卡拉奇（1560-1609）一般指“卡拉奇三兄弟”中最小的安尼巴尔·卡拉奇，他是巴洛克时期最早的伟大画家。卡拉奇出生于博洛尼亚，他将文艺复兴时期的艺术风格与巴洛克时期的艺术特点融合在一起，为古典主义的发展奠定了基础。

安尼巴尔·卡拉奇与他的两位兄长在巴洛克艺术中占有极为重要的地位，兄弟三人创立了欧洲最早的美术学院——博洛尼亚美术学院，他们是学院派艺术的倡导者。

“巴洛克”一词原本是贬义，在葡萄牙语中的意思是不规则的珍珠，这源于当时的批评者认为巴洛克艺术缺乏优雅与均衡，显得古怪与变形，完全背离了文艺复兴的精神。

卡拉奇是巴洛克艺术中的起点派，与终点派的“推倒重来”不同，他坚持折衷主义，主张在前人已有的优秀框架的基础上进行深挖。他所代表的巴洛克艺术的绘画是一种复杂、奢侈、浮夸的艺术，强调画面的对比与冲击。

卡拉奇的代表作《圣母哀悼基督》体现了巴洛克绘画的两大特征：强对比和有重点，画面中圣母和基督的肤色惨白，轮廓线非常深，整个画面光影强烈。

《圣母哀悼基督》也有文艺复兴的影子，圣母和基督的表情非常平静，人物的面貌更接近拉斐尔的画作特征，这是卡拉奇对文艺复兴艺术的传承。

卡拉奇与他的两位兄长一起建立了博洛尼亚美术学院，学院对前人的技巧做出整理并系统化地传承，虽然存在思想僵化的问题，但是在当时对艺术传承的贡献极大。

兄弟三人另一个的代表作是法尔内塞宫的天顶画《众神之爱》，这幅画充分体现了由巴洛克艺术发展而成的古典主义。天顶画讲述了古希腊神之间的爱，画面非常具有诱惑性，非常香艳。

《众神之爱》既拥有浓重的对比和强烈的感情，对人的感官造成强烈的冲击，同时又追求光明与典雅，融汇了巴洛克与古典主义。

《众神之爱》所在的法尔内塞宫是一座杰出的文艺复兴建筑，位于罗马，它最初为法尔内塞家族设计建造，现在是法国驻意大利大使馆。

卡拉瓦乔（1571-1610）出生于意大利北部的卡拉瓦乔村，是意大利16世纪末17世纪初的一位著名画家，对巴洛克画派的形成有重要影响。他是历史上“脾气最坏的画家”，常年逃亡与罗马、那不勒斯、马耳他和西西里等地。

卡拉瓦乔是巴洛克时期的“二元对立”中的一元，是一个“终点派”，他主张摒弃前人的，独立发展出自己的艺术风格。他代表着巴洛克艺术的黑暗和改革，他的画充满了精确的细节描绘和戏剧性的明暗对照。

卡拉瓦乔生活的时代大背景是反宗教改革，天主教为了自己的统治，反对马丁·路德的宗教改革，重视通过艺术来教化大众。巴洛克的艺术地位被进一步提升，卡拉瓦乔是教会支持的最重要的画家之一。

卡拉瓦乔最擅长使用黑暗。卡拉瓦乔比之前的艺术家更注重明暗的对比，以黑暗衬托光明，这也非常符合当时天主教反宗教改革的时代背景。

卡拉瓦乔在绘画中非常重视真实感，以至于很多人批评他太粗鄙和狂野，这种真实感即使在宗教画中也能够得到很好的体现。在《处女之死》中，完全没有之前艺术家描绘的圣母升天的辉煌场景，圣母的脸色惨白，就像是一个普通妇人的死尸。

卡拉瓦乔在绘画中体现了参与感，他能够利用画作的戏剧性，将观众直接带入画中，唤起观众对画面的关注。在《静物水果》中，水果的果盘没有完全摆放在桌子上，感觉摇摇欲坠，让人有推一把的冲动。

卡拉瓦乔非常善于抓住每一个场景戏剧化的瞬间。在《纸牌作弊老手》中，描绘了作弊者出老千，同伙偷看牌后通风报信的场景，让看画人仿佛置身于其中。在《多疑的多马》中，通过描绘画中的人物去触摸刚复生的基督身上的伤口，将先死而后生的两件事同时表现在一幅画中，真正的将画变成了剧场。

卡拉瓦乔崇尚暴力美学，画面中经常会出现砍头、喷血的场景，这些在他的画作《被斩首的约翰》、《手提歌利亚的大卫》、《犹迪杀死荷罗浮尼》中都有体现。

雷尼（1575—1642）出生于一个音乐世家，是家中的第九个孩子，曾进入博洛尼亚美术学院学习，并接任过美术学院的院长。他是继卡拉奇和卡拉瓦乔后最重要的意大利学院派画家，他融合了两位大师的优秀技法，继承了拉斐尔的艺术成果，被称为“巴洛克时期的拉斐尔”。

雷尼的名声远远超过卡拉奇和卡拉瓦乔，与拉斐尔相当，被认为拉斐尔“转世”，在他之后，意大利再无绘画大师，他也代表着意大利绘画盛极而衰之前最后的巅峰。

雷尼绘画中最典型的特色是仰望星空式发呆，画中的人物常常有仰望星空的姿势，甚至有翻白眼的感觉。这背后的原因是宗教，画中人物仰望的是神明和上帝，就连耶稣也要头戴荆棘，仰望天父。

雷尼的画和拉斐尔有很多相似之处，在代表作《圣彼得受难》中，体现了拉斐尔和谐的三角构图，同时也有卡拉瓦乔的明暗技法和提香的鲜艳色彩。

雷尼的发展路线和拉斐尔极为相似，他完整地继承了古典主义的绘画风格，与拉斐尔融合达·芬奇和米开朗基罗一样，雷尼融合了卡拉奇和卡拉瓦乔。在其最有名的一幅画《曙光女神》中，画中的主题、内容、结构都是拉斐尔时期的特色，但是在色彩和明暗上则融合了卡拉奇和卡拉瓦乔。

雷尼是古典绘画的集大成者，是“终结者”，这个终结不是失败，而是完成。雷尼进一步提升了拉斐尔的“完美绘画”，让古典主义在写实这条路上被解救出来，让写实为主要特征的古典主义在雷尼身上真正地画上了句号。

普桑（1594-1665）全名尼古拉斯·普桑，出生于诺曼底地区，从小家境贫寒。30岁之后，普桑移居罗马，46岁接受了法国国王和红衣主教的召唤，回到法国，由于受不了宫廷中的尔虞我诈，就回到了意大利，直至去世。

普桑是“法兰西绘画之父”，是17世纪法国古典主义绘画的领导者，没有他，就没有整个法国画派，也没有法国的学院主义。普桑将和谐构图的理念和意大利精妙的艺术理念引入法国，影响了当时很多年轻的法国艺术家，甚至影响了后世的画家塞尚。

历史画是普桑大多数的绘画主题，与之前的历史画画家不同，他在作品中引入了大量的风景，人物所占的比例很少，《第欧根尼于山野》就是其中的代表。

普桑是一个饱读诗书的综合性文人，对古希腊古罗马的典籍多有研究，这让他的话更有深意，也更有古典文化的气质。《第欧根尼于山野》描绘的是古希腊犬儒主义哲学家第欧根尼在野外扔掉了手中的碗，体现了普桑对第欧根尼回归自然、摒弃世俗思想的理解。

普桑的绘画体现出“终极和谐”，画幅虽然不大，但是构图完美，非常有平衡感。在他的代表作《阿卡迪亚的牧羊人》中，画中人物的数量不多也不少，如果将人物的肢体连接起来，会体现出文字的和谐感，这让塞尚受到了启发，将绘画抽象成几何图形。

《阿卡迪亚的牧羊人》是美术史上最高深莫测的作品之一，画中的牧羊人头戴花冠、手持手杖，读着石碑上的经文：“即使在阿卡迪亚，我也存在。”常见的解释是，那个“我”是指死神，意思是在阿卡迪亚这样美好的地方，死亡依旧无法避免。

普桑还有一个贡献是将绘画与“活计”分开。在此之前，艺术家都是依照订单作画，作品并不完全是艺术品，而普桑在没有订单的时候仍然会作画。此外，很多之前的艺术家都有自己的工作室，有徒弟来画不重要的部分，而普桑完全是自己独立作画， 他并不想别人参与自己的绘画创作。

洛朗（1600-1682）全名克劳德·洛朗，出生于法国东部的一个小村庄，他的大部分时间是在意大利度过的。洛朗，让风景画真正的进入了主流审美，对欧洲的风景画及以后的风景画艺术产生了深远的影响，被称为“风景画之父”。

洛朗非常特殊，与其他领域的“之父”不同，在他之后没有用他的方法和题材来超越他的艺术家，他是古典主义风景画领域的开创者，也是巅峰。他的画建立了人们对于美景的标准，后人甚至按照他的画作来修建园林。

在风景画成为重要的绘画题材之前，西方的绘画分为几个等次，首先是神的画像，其次是人的画像，再其次是建筑的画像，风景画被排在最后。风景画成为重要的绘画题材象征着重要艺术观念的转变，洛朗在这方面做出了巨大贡献。

洛朗选择风景画，一是由于其它题材的画作都已经非常成熟，只有风景画有发挥的空间，二是因为洛朗是一个喜欢游玩而且文化水平不高的人，这让他的画更追求抒情的气氛，更返璞归真，唤起人们对美好情感的向往。

洛朗的风景画不仅是好的风景画的基准，而且是好的风景的美学标准。洛朗的画常常有金色的阳光映在绿色植物上的唯美感，这种虚拟出来的景色开始支配真实的需求，人们认为如果这个景色能够让人想起洛朗的画，才是好景色。

洛朗对大海的观察是前人所没有的，之前也没有人正经的画过海景画。洛朗的代表作《港口的日落》能够让人联想到莫奈的《日出·印象》，据说莫奈是参考了著名画家透纳的海景画，而这位海景画的集大成者对日出主题的灵感，正是来源于洛朗。