《当代电影》

一

《爱乐之城》的故事发生在洛杉矶。女主角米娅在洛杉矶的华纳兄弟片场的咖啡馆打工，不时偷着去试镜，渴望成为明星和剧作家。男主角塞巴斯蒂安是一位很有作曲才华的爵士乐钢琴家，在一家酒店里做钢琴师，酒店经理只许他弹奏流行小曲，他却最热爱爵士乐，平生所愿就是开一间爵士乐的酒吧。两个追求梦想的年轻人，邂逅之后坠入爱河，最后各自得偿所愿，也分道扬镳。从剧情中，可以提炼出主要的音乐风格倾向：爵士乐。

(一)音乐形式

影片以洛杉矶的堵车场面开场，通过长镜头、和堵车现场，从车里走下的人们从独唱到合唱结合舞蹈的层层推进，一开始就形成了一个小高潮。开场采用合唱形式也是音乐剧常见的手法，这种音乐形式可以发挥演员的群戏，结合富有动感的节奏和舞蹈，在电影的一开篇就给予观众视听的震撼。除了合唱之外，片中的歌唱部分尚有独唱、重唱等形式，也有纯器乐的配乐。例如米娅在演员面试时的独唱歌曲Audition(The Fools Who Dream)，米娅与塞巴斯蒂安的二重唱City of Star，米娅与室友和好友的四人歌舞等。Audition同样获得了奥斯卡最佳原创歌曲的提名，最后并没有获奖。但是这首作品在整部电影中起到了升华主题的作用，表现了米娅所追求的梦想，而《爱乐之城》的主旨正是为了表现两个追梦的年轻人。

《爱乐之城》剧照

(二)动人旋律

对于电影音乐来说，有一个引人入胜的主旋律(或主题)是非常重要的。在一次访谈中，著名的美国电影配乐大师约翰·威廉姆斯曾被提问他在思考主旋律时是否遇到困难，他说：“对我来说，那是经常感到困难的。......所谓旋律的灵感往往是难以解说言明的。......对于音乐创作，我大部分时间是放在思考推论中，那是一段漫长的工作时间，尽管好些主旋律最后听起来非常简单，但其实背后已花上两三周甚至四周时间考量。而在这个过程中，必然会丢弃很多不太好的意念，所以整体上来说，我是经常感到困难的。”(1)

例1.Mia & Sebastian’s Theme 主题

这一主题在电影中多次出现，表现了塞巴斯蒂安对于爵士乐的情感。主题初次出现是米娅无意听到了塞巴斯蒂安在饭店里弹奏此曲。与后文中例2的City of Star主题近似的是，二者都有上行到下行的旋律线，且均以平稳进行为主。有意思的是，例1主题的后两个小节与前两个小节正好构成“逆行”的关系，也就是说，把后两小节的音反过来弹奏，正好就是前两小节的音高。这一主题有时由塞巴斯蒂安在钢琴上弹奏，有时换成管弦乐版本，为塞巴斯蒂安和米娅在天文馆的约会提供浪漫的音乐背景。当慢速弹奏时，这一主题具有思考的个性，快速演奏时，这一主题则变成了华尔兹，与塞巴斯蒂安和米娅的双人舞有效地结合在一起。获得奥斯卡最佳原创音乐奖的City of Star具有引人入胜的主旋律，见例2。

例2.City of Star主题

这首歌曲的主题为d小调，旋律以级进和三度小跳为主，旋律线在两个乐句中均保持平稳上行之后，平稳下行的形式。旋律具有爵士音乐的特性，连续使用的三连音节奏塑造了摇摆的音乐气氛。从和声上来讲，引子部分的和声没有使用常见的主和弦分解，而是采用了小调的IV级和弦，并持续到了主题开始的第一乐句，直到主题的第三小节才出现小调的主和弦。第二乐句的末尾，和声进行到了小调的III级和弦，这是一个大三和弦，带来了离调到大调的明亮效果。随后，旋律依然回归到小调。综合来看，引子、和声、节奏、旋律线共同诠释了这一主题，使音乐具有明暗变化和爵士乐的风格，且平稳动听。

(三)创作手法

在《爱乐之城》的电影音乐中，变奏手法的运用是最为广泛的。同一个主题通过转调、更换节奏、更换和声、变换演唱形式、变更音乐风格等方式进行变奏，用在不同的歌曲中，配合不同的剧情，展现了不同的音乐风貌。例如City of Star的主题就有男声版、女声版、二重唱版，又有口哨版、哼鸣版(Humming)等。又如It Pays所采用的主题出自Another Day In The Sun，前者是后者的爵士乐改编版，Boise是City of Star的爵士乐版。纵观整个影片，多次出现了主题音乐改编为爵士乐版本的现象，这也符合男主角的人物设定，一位热爱爵士乐的音乐家。值得一提的是，片中多次出现了爵士乐队，由于爵士乐具有天生的即兴性，因此贾斯汀·赫尔维茨(Justin Hurwitz)给出的爵士乐谱并不精确到每个音，旋律结构与和弦进行大致固定之后，留下一定的空间给爵士乐的演奏家们自由发挥，这也是典型的爵士乐作曲模式。除了主题变奏、主题的爵士乐改编、即兴性等特点之外，《爱乐之城》的音乐并没有很复杂的和声和配器，整体音乐呈现出比较平稳、温暖的效果，以钢琴、爵士乐队、管弦乐队为主要的配器方式。

二

电影音乐的创作过程代表了作曲家思考音乐时所受的影响，这种影响主要来自剧本还是画面，常常会导致不同的写作方式。在电影《爱乐之城》音乐的作曲者贾斯汀·赫尔维茨的访谈中，他谈及这部电影音乐的创作过程：“在Damien(即导演及编剧达米恩·查泽雷——笔者注)写剧本的时候我就在创作配乐了，到影片的后期制作时还在创作，也就是拍摄完毕之后的录音阶段。后期制作期间我也花了大概八个月时间创作音乐。从头到尾我的创作过程是两年半时间。不同的阶段我在创作不同的内容。比如在一开头Damien写剧本的时候，我就在创作旋律，创作音乐的主题，后来这些旋律变成了歌曲和配乐。”(2)在提及创作顺序时，贾斯汀·赫尔维茨表示，他的写作顺序是先曲后词。作曲贾斯汀·赫尔维茨和导演达米恩·查泽雷都是哈佛大学的学子，赫尔维茨是哈佛的新生时就认识了爱好爵士鼓的查泽雷，其后二人共同在乐队里演奏，以至于后来二者开始了在电影和音乐上的合作。

贾斯汀·赫尔维茨

贾斯汀·赫尔维茨在钢琴上写出旋律后，与导演达米恩讨论旋律的使用方式，歌曲成形后，发给词作家进行填词。词曲完成后，录制小样，再由贾斯汀·赫尔维茨进行乐队配器，并使用小样由舞蹈指导进行舞蹈编配。可以说，这部电影音乐作品是和剧本同时成长起来的，当然，在成片完成后，作曲还要进行一些后期的改编，尤其是器乐曲方面，例如一些爵士乐的部分再做一定的增删，以便适应成片剪辑后的节奏变化。

关于创作过程，约翰·威廉姆斯有不同的描述。这位久负盛名的电影配乐大师介绍自己的配乐经历时表示，他开始作曲时，往往电影的拍摄工作已经完成。而且他希望尽量不读剧本，因为他认为，读剧本时所产生的影像并不一定等同于电影拍摄出的实际影像，甚至有时是截然不同的。他更加重视影片拍摄后出现的实质的画面，按照这些画面的节奏和气氛创作恰如其分的音乐。当然这些画面到最后面向观众时还可能会有剪辑和增删，这时他会再对音乐做一些改动。电影音乐中有歌曲和器乐曲，而歌舞片《爱乐之城》有较多的歌曲，且有较多的专门进行歌舞表演的段落，因此，在歌舞片中的配乐可以是更加完整的，更具发展动力的，有更大的空间。同时，音乐也承载了一部分的叙事作用。影片中会留出专门的场景作为歌曲的展现，如影片中的开场歌舞、米娅等四人的四重唱歌舞、米娅与塞巴斯蒂安的二重唱等，而非以碎片化、片段化为主的其他影片采用的配乐方式。

三

电影音乐真正在美国普及始于20世纪20年代，也就是有声电影产生的年代。在接近一百年的发展历程中，当今几位电影配乐大师约翰·威廉姆斯(John Williams)、汉斯·季默(Hans Zimmer)、约翰·鲍威尔(John Powell)、迈克·吉亚奇诺(Michael Giacchino)、布莱恩·泰勒(Brian Tyler)等，共同塑造了精彩纷呈的电影音乐世界。电影管弦乐是最常见的电影音乐形式，这种编制大、极具交响性、音响效果纵深立体感强的乐队形式具有超凡的表现力。除了管弦乐之外，流行音乐在电影音乐中大行其道，电声乐队、爵士乐队等形式也非常常见。还有独奏、重奏等形式，也许是一段长笛，一段吉他，或是一段钢琴，几把弦乐器，也可以烘托出很好的音乐气氛。另外，电子音乐、电子合成器所能提供的各种现实乐器无法演奏出的音色，也丰富了电影音乐的想象力。歌舞片作为一种更为强调音乐歌舞的电影艺术形式，同样最常用的就是以上四种音乐形式。

好的电影配乐的标准是什么?这很难用量化的方式回答，但依然有迹可循。首先，要有一个令人印象深刻，可以记住的音乐主题(或旋律)；其次，要能和电影本身的内容、尤其是电影的画面、描述的背景、展现的时代有机结合，有效地烘托气氛、抒发情感、深化主题。电影音乐不可太浓，也不宜太淡，更不能抢戏。徐静蕾导演的《一个陌生女人的来信》曾经请到了日本的电影音乐配乐大师久保田修进行配乐，但音乐出来以后，徐静蕾觉得交响乐太过于抢戏，所以只留了片段，在影片中取而代之的是林海的《琵琶语》。这首作品旋律清淡隽永、遗世独立，正好符合电影本身的意蕴。在某些情况下，电影音乐也可以非常强有力，或者给电影画面更大的延伸空间，例如在《阿甘正传》的电影结束时，一只羽毛被风吹走，与此同时响起了钢琴声的优美旋律，赋予这一画面更多的深意，暗喻了电影的主题思想。

作为原创歌舞片的《爱乐之城》，片中有多次向早期歌舞片致敬的桥段，无论服装、色调还是编舞都有好莱坞传统歌舞片的痕迹，音乐中也部分致敬了早期的歌舞片音乐风格。《爱乐之城》的音乐既复古又革新，既传统又现代，既具有原创性，又具有现代性，探索了适合现代的歌舞片的新方式。

(张琦，绍兴文理学院音乐学院副教授，312000)

注释

(1)引自 [美]约翰·威廉姆斯、罗展凤《好的电影音乐视他如何为电影服务——约翰·威廉姆斯访谈》，《电影艺术》2012年第3期，第73页。

(2)引自网络资源:《专访:〈爱乐之城〉的音乐创作秘诀都在这里》，“影乐志”微信公众号。

编辑：张耀丹

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