氛围音乐（ambient music）

氛围音乐（ambient music），电子音乐分支之一，源于20世纪70年代艺术家们的一种实验性的电子合成音乐，代表人物如Brian Eno、Kraftwerk以及Harold Budd，同时也具有80年代trance风格的数码舞蹈乐曲。氛围音乐是一种有足够空间让人发挥的有着声波结构的电子音乐。它没有作词或作曲的束缚。尽管艺术家在创作之间有暗示性的差异，但对于偶然一次的听众来说，它只是不断地在重复和没有变化的声音。多亏像Orb和Aphex Twin的氛围数码音乐家们，才在90年代早期，氛围音乐成为一种令人痴迷的音乐。

起源

作为20世纪早期的法国作曲家，埃里克·萨蒂(Erik Satie)利用这种达达主义启发的探索创造了一种早期的环境/背景音乐形式，他称之为“家具音乐”(Musique d’ameublement)。他说，这种音乐可以在晚宴上播放，为宴会创造背景气氛，而不是成为人们注意力的焦点。

用萨蒂自己的话说，他试图创造“一种音乐……这将是环境噪音的一部分，我们会把它们考虑进去。我认为它是悦耳的，缓和了用餐时刀叉的声音，而不是支配它们，也不是强加于自己。它会填补朋友们一起吃饭时的沉默。这样他们就不用费心去注意自己的陈词滥调了。与此同时，它还能消除街上的杂音，因为这些杂音不小心就会影响谈话。创作这样的音乐是对一种需要的回应。”

根据1998年《连线》杂志上的一篇文章，盲人Willie Johnson1928年的单曲《Dark Was the Night, Cold Was the Ground》可以放在环境音乐下，被认为是“一首乡村福音即兴创作，滑音吉他带哼哼声和呻吟声，但没有歌词。”

1952年，约翰·凯奇发表了他著名的三乐章作品《4’33》，这是一首完全沉默的演奏，持续了4分33秒。该作品旨在捕捉演出场地/地点的环境声音，并将其作为播放的音乐。凯奇被布莱恩·伊诺(Brian Eno)等影响深远的艺术家誉为有影响力的人

六十年代

在20世纪60年代，许多音乐团体尝试了不同寻常的方法，其中一些人创造了后来被称为环境音乐的东西。

1962年夏天，作曲家拉蒙·森德(Ramon Sender)和莫顿·苏博特尼克(Morton Subotnick)成立了旧金山磁带音乐中心(the San Francisco Tape Music Center)，它既是电子音乐工作室，也是音乐会场地。其他在这里工作的作曲家也成为了乐队成员和合作者，包括波琳·奥利弗罗斯、特里·莱利和史蒂夫·赖希。他们的作品对极简音乐(也被称为极简主义)的发展做出了贡献，极简音乐与环境音乐有许多相似的概念，如重复的模式或脉冲、稳定的嗡嗡声和和谐的和弦。

20世纪60年代中期到90年代中期，许多唱片在欧洲和美国发行，确立了英语国家流行音乐市场的环境音乐类型的惯例。一些带有环境元素的20世纪60年代的唱片包括Tony Scott的《Music for Yoga Meditation and Other Joys》、《Music for Zen Meditation》，Raymond Scott的《Soothing Sounds for Baby》，以及Irv Teibel的《Environments album series》。

20世纪60年代末，法国作曲家Éliane Radigue创作了几首作品。在70年代，她几乎完全用arp2500合成器创作了类似的音乐，她的长而慢的作品经常被拿来和持续音音乐相比较。1969年，COUM Transmissions乐队在英国艺术学校表演声波实验。1968年，Pearls Before Swine乐队的专辑《Balaklava》加入了鸟鸣声和海洋噪音，成为了环境音乐的代表专辑。

七十年代

进入70年后，确切说是1974年随着Kraftwerk那首长达24分钟的《Autobahn》成为热门金曲，电子乐开始逐渐独立。此后电子乐作为手段开始用于流行音乐的制作，70年代后期，新的跳舞音乐迪斯科开始风靡西方世界。在同一时期Brain Eno开始创作氛围音乐。1978年Brian Eno发表了《Ambient 1：Music for Airports》。当时正值迪斯科流行，这张专辑并未受到重视，甚至被无情抨击，其中一条是 “它之所以让人觉得恼火在于这玩艺根本没什么用，事实上，整个专辑可以用冷淡来形容，如果听众不小心用5元钱换取了这种胡扯音乐，那结果一定是自己踢自己的屁股”（Ed Naha, in Circus magazine）。随着时间的推移，这张专辑显示出越来越重要的地位。《Ambient 1：Music for Airports》的发表也被公认为是氛围音乐的开始。其实早在1972年Eno就同Robert Fripp创作了专辑《No Pussyfooting》，这是第一张Brain Eno自己形容为氛围音乐的专辑。

比较1972年的《No Pussyfooting》和78年的《Ambient 1：Music for Airports》，你会发现其实他们虽然都可以叫做氛围音乐，但手法并不一样，这也许和72年专辑中Robert Fripp的加入有关，但不可否认的是Eno在这6年中创作思路的转变。

1975年，车祸后的Eno刚刚出院，行动尚不方便，便让其朋友Judy Nylo给他带音乐来听。她走后，Eno将这张18世纪竖琴音乐放入音响，由于当时功放输出被设置为极低，且立体声的一个声道完全坏掉，自己又无力修理，便只能将就着听这种声音极微的音乐。当时正下着雨，雨声甚至超过室内的音乐，这对于Eno来说是种全新的听音方式：将音乐放入环境，极低的音量使得音乐本身并不引入注意，这个时候音乐，视觉感受（室内光和色彩），窗外的雨声共同构成了身处的环境，这种感受据Eno事后讲对他后来的创作理念影响极大，并建议将他的作品在极低的音量下（甚至听域范围以下）收听作为一种聆听方式。

Eno想创作的音乐是那种可以给听者提供一个内省和想象空间的音乐。聆听本身不是主要的，恰恰相反，它要求听者的注意力不要被音乐本身牵扯太多。他在不同专辑的内页里反复强调这一点：“氛围音乐必须能够适应听觉的多个层面而不是可以强加在某一特定的层面；它必须在聆听的时候可被忽视”（1978专辑Ambient 1）。“我创作的音乐是正好处在旋律和声音质地两者之间，我的音乐逻辑是，它应该是一种对听觉的模糊回报，而非作为听觉的直接需求”（1993年专辑Neroli）。

Eno对氛围音乐解释——一种常被用作背景而非那种要求主观去感受的音乐形式——和前述的Satie的概念如出一辙，但自Eno后被更广泛的接受。例如，David Toop和Max Eastly的作品Buried Dreams在演奏时要求以刚刚能被听觉感知的音量进行表演。这一概念是对将音乐同自然/环境隔离的陈旧观念的挑战，同样的，在一些具有环境特质的多媒体艺术中，不是要求身处其中的人去精力集中的进行感受，而是强调你对整个环境的经历，也就是说身处其中才是最关键的。

事实上，Klaus Schulze 和Eno对后来氛围美学的全面形成有着同样重要的影响。和Eno不同的是，他的欧洲古典音乐背景比Eno更加深厚。不过他早期的作品太过关注声音质地，受到不少人的诟病，后来Schulze越来越多的将精力集中在技巧的熟练和如何将作品同表演环境更好的结合上。他对电子音色的出色运用和高度概念化的作曲方式对电子乐及学院派音乐都有很好的示范作用。

值得一提的是，在Eno同一时代，用噪音作为手段，采取震撼策略，以反艺术、反音乐和反控制为目的的工业音乐运动也在不列颠和德国展开；经过几年的发展，英国的前卫摇滚和迷幻音乐也从传统的摇滚乐队模式和3分钟曲式中脱离而出。这3种动向全部来自于1960到70年代的英国艺术学校。

当然氛围音乐并非只源于英国，在德国、美国和加拿大，也有很多的Spacerock/spacemusic团体同氛围音乐同步发展。Space的通常概念是同外层空间相联系的（有些作品也的确如此），但这种音乐更多的是指那个当下被听到的空间，也包括听众的“内部空间”，这种音乐会牵扯很多听众的潜意识情感，这和Eno原先对氛围的描述出入很大——Space music定位在“前景音乐”和“背景音乐”之间，这就混淆了氛围音乐将音乐作为日常生活背景的原始概念。当然，在今天看来，spacemusic是对原始氛围音乐的一个拓展。

这个时候的美国的极简作曲家开始更多采风异域音乐——如从印度拉迦（印度的一些传统曲调, 具备特有的音程、韵律和装饰音等）中萃取音乐元素，对调式系统进行试验和更多的运用电子合器，以便创作出适合当时风行的冥想表演音乐。

随着Ambient音乐的发展和当时具有类似特征音乐的成熟（如space music和minimal music），在乐评和爱好者当中出现了对“氛围音乐该作为一种听音的方式还是一种作曲的模式”的讨论，一些乐迷提出“听觉仪式”的观点，认为氛围作为一种改变意识状态的音乐本身具有视觉交流的能力。当然讨论也在作曲模式层面展开。这些讨论本身就说明氛围音乐和它背后的概念开始被人们接受。

Eno并不是探索氛围音乐概念的第一人；在历史深处，可能也不是他第一个将这种音乐叫做氛围音乐。他对氛围音乐的贡献也许并不在于发起，而在于其作品对后世的影响。

八十年代

1983年，House在芝加哥Warehouse俱乐部音乐诞生；1985年底特律人Juan Atkin发表第一张Techno唱片《No UFOs》，House和Techno的出现大大推动了舞曲文化。80年代晚期的英国，Acid House开始在风靡，在英国House界混迹多年的Alex Paterson——前Killing joke的巡回演出管理员——被Paul Oakenfold雇用为Club Heaven的Dj，他在舞厅二楼的Chill room给疲惫的舞客播放音乐供舞者Chill out。当他经常播放的Eno的Ambient系列和Tangerine Dream 70年代的作品同楼下舞池中飘来的house节奏混在一起时，便诞生了Ambient House。和当时的house舞曲不同的是，它是一种为听觉而创作的电子音乐，不再是为摆动身体。

Alex Paterson同苏格兰说唱团JAMS成员Jimmy Cauty共同组成了The Orb，但在（89年）发行了首张专辑后不到一年的时间就宣布解散。后来Jimmy Cauty后来和Bill Drummond组成了KLF。The Orb同KLF都是当时house amnient的先锋。至此适于坐着听的电子乐成为电子乐的一个分支。

B12是极少数能够接过底特律Tchno美学衣钵的伦敦二人团体，他们同美国团体Aphex Twin, the Black Dog, Higher Intelligence Agency, 和挪威的Biosphere 一起将生硬的Techno改造具有剔透的音色、小调旋律和离奇采样的ambient techno。

其他重要的音乐家包括Mixmaster Morris (Irresistible Force)和Pete Namlook及其厂牌Fax Records下的艺人。

九十年代

90年代后舞曲元素的融入使得Ambient音乐的含义发生迁移，这时的Ambient music主要是指那种具有相对于舞曲稍缓但具备迷幻的节奏、空灵的旋律/主题、多元化的采样（自然声居多）的电子音乐，它的目的不再是让你对音乐本身忽略，很多情况下，你在放松的同时会不由自主的摆动身体。这和过去那种没有节奏的Ambient有很大的不同。

1994年到90年代晚期，The Future Sound of London的作品lifeforms、ISDN和Dead City的发行是后rave时代欧洲实验电子快速杂交时代的重要标志。

Chill room和Rave/或说舞曲文化的亲近关系对音乐而言意味着很多，借来acid house和techno的元素，ambient house，ambient techno，ambient dub这样的混血名词开始流通。

21世纪

到了21世纪后期和2010年代，环境音乐也在YouTube上获得了广泛的认可，上传的作品通常长1到8小时，点击量超过数百万。这类视频通常被命名为“放松音乐”，可能会受到其他音乐类型的影响。环境视频帮助在线听众进行瑜伽、学习、睡眠(参见音乐和睡眠)、按摩、冥想，获得乐观、灵感，并在他们的房间或其他环境中创造和平的氛围。许多上传的环境视频往往受到生物音乐的影响，其中突出了自然的声音，尽管声音会通过混响和延迟单位进行修改，使声音的空间版本成为环境的一部分。这些自然的声音通常包括海滩、雨林、雷雨和降雨等的声音，也包括动物的声音，如鸟类的叫声。包含双耳节拍的作品也是常见和流行的上传，为听者提供音乐治疗和压力管理。

经过认证的YouTube频道，如标题恰当的Ambient拥有超过50万的订阅用户。此外，还有订阅用户超过200万的“冥想放松音乐”、订阅用户超过800万的“舒缓放松”、订阅用户超过50万的“放松白噪音”等。

这个时代广受赞誉的环境音乐(根据Pitchfork杂志)包括Max Richter, Julianna Barwick, Grouper, William Basinski, Oneohtrix Point Never和the Caretaker的作品。2011年，美国作曲家Liz Harris以Grouper这个身份录制了专辑《AIA: Alien Observer》，被Pitchfork评为“50张最佳氛围专辑”的第21位。2011年，朱莉安娜·巴维克发布了她的第一张完整专辑《The Magic Place》。深受童年在教堂唱诗班经历的影响，巴维克将自己无声的歌声循环成空灵的音景。它在Pitchfork的50张最佳氛围专辑中名列第30位。在几张自己发行的专辑之后，Buchla的作曲家、制作人兼表演者Kaitlyn Aurelia Smith于2015年与独立唱片公司Western Vinyl签约。2016年，她发行了第二张专辑《EARS》。它将Buchla合成器与传统乐器搭配，并将她的作品与劳里·斯皮格尔(Laurie Spiegel)和爱丽丝·科尔特兰(Alice Coltrane)的作品进行比较。Kaitlyn还与其他著名的Buchla表演者Suzanne Ciani合作过。伊基·波普2019年的专辑《Free》主打环境音景。Mallsoft是vaporwave的一个分支，以各种环境影响为特色，Cat System Corp.和grocery等艺术家探索了商场和杂货店典型的环境声音。

ambient音乐的分化不仅来自于七八十年代那些相对更为严肃的环境实验，同样来自于越来越多的同ambient平行发展的当代音乐品种，ambient音乐在90年代中后期疯狂繁殖使得那种古老的Ambient标准不得不随着自身的发展被不断修订。

Ambient

听起来起伏不大，但其实一直在做改变，像是长时间的音效，或是渐进式的音乐编排等等，常会营造出有层次的空间感，所以被称为"情境音乐"，且常对于生活周遭的声音做取样，如人声，汽车声，甚至是其他音乐的旋律...等等。为70年代的Brian Eno所创，是一种很"高深"的电子音乐，后来Ambient也有分支，如Ambient House, Ambient Techno等等，相信大家从字面上就能了解，其实在很多种音乐中都会有Ambient的影子，甚至某些古典乐中也有Ambient的味道。

Ambient Pop

Ambient Pop（氛围流行）结合了宁静和欢快两种不同的音乐风格。氛围流行拥有来自普通传统流行乐的风格，它是电子音乐结构和背景气氛折射出外界的寂静，和一种沉思的氛围。氛围流行是典型的没有刺耳音符的代表音乐，使德国摇滚令人陶醉的韵律受氛围流行的影响很大，甚至有点催眠的作用。本质上来说，它是梦幻流行音乐在shoegazing运动中觉醒后的延伸。尽管大多数仍旧使用原来的乐器，通过吸收电子音乐的方式，包括样本作品等，再对音乐给予了诠释。

Alternative Dance

Alternative Dance（另类舞曲）结合了拥有电子音乐结构，合成器采样和后迪斯科舞曲的方式的地下旋律性音乐结构的另类，独立摇滚风格。这些年当许多流行另类艺术家用舞曲或者电子音乐来试验时，另类舞曲得到了很大的发展并成为酒吧文化中不可缺少的音乐成分。尽管另类舞曲音乐看上去代替不了俱乐部的舞曲，凭借它的流行可亲性以及和其它音乐的易结合性，它还是成为这种文化外围一种重要的形式。这种特性使更多的人参与到另类舞曲之中，以此抗拒那种标准的固定样式的舞曲。结果是，表演者对其它的具有特定样式结构，特殊音乐元素的音乐更加接近。很多另类舞曲艺术家来自英国，成为地下音乐文化中非常显著的英国酒吧和锐舞，他们创造了有助于进行更过音乐艺术试验的氛围。New Order第一个另类舞曲组合，在他们1982—83年的录音中出现了这种冰冷阴沉的后朋克和Kraftwerk的电子流行相结合的风格。相对于另类音乐，另类舞曲是受电子流行，酸性车房音乐和trip-hop影响最大的风格类型，这些形式都产生了相应的另类舞曲艺术家，并在英国80年代后期的曼切斯特产生影响，直到90年代的根源于独立和trip-hop的艺术家。

Adult Alternative

成人另类音乐的听众很多，那些乐于接受与主流音乐有所不同，但差距又不是很远的人往往是它的追随者。很难说清楚是否是新成人时代的电波模式造就了成人另类还是本身成人另类就是为了电波而存在。成人另类的风格是：无论是原声的，电子的，还是电子与原声的合成，都深受流行，摇滚和爵士的混合成分的影响。（虽然成人另类的主要表现方式是乐器，但不少专辑却以一些柔美的声音来表达）。当他们要让听众很容易接受他们的音乐时，顶级的艺术家们对旋律的感悟和乐器使用方式的不同，以及韵律的持久性总有特别的天分。不过它也有不足之处，成人另类有时候听起来就象没有歌词的过了时的流行音乐。相关艺人：Yanni，Enya等。

融入节奏

传统的Ambient音乐是无节奏的，80年代晚期到90年代早期借助电子乐的兴盛，Ambient音乐经历了一次复兴通，在70年代的Ambient音乐基础上融入节奏，出现乐不同形式的ambient电子乐如Ambient Techno和Ambient dub等。

有机Ambient音乐

有机Ambient以电子乐器和传统乐器的综合使用为特征。除了电子音乐的影响外，有机Ambient音乐还吸收了世界音乐的一些元素，特别是嗡鸣乐器（Drone instruments）和直接用手击打的打击乐器。典型音乐家：Robert Rich,Steve Roach,Vidna obmana 和 Tuu。 Brain Eno的一些用传统乐器（如钢琴）电子乐作品在这个意义上也是有机ambient音乐。

自然取向的Ambient音乐

用自然界采样录音获得的声音素材来创作的Ambient音乐。通常这些采样会被处理后再使用。这些声音素材可以反复或者随机放入作品中。如Biosphere的Substrate，Mira Calix的昆虫音乐和Chris Watson的Weather Report。通常有机Ambient和自然取向的Ambient会有重叠。分离主义Ambient音乐（Illbient/dark ambient）　分离主义Ambient音乐可能是最黑暗和最不容易接近的Ambient音乐。启发来自工业音乐、噪音音乐、哥特音乐和古典音乐。它的名字来Kevin Martin和Simon Reynolds等乐评人为讨论音乐方便起见的杜撰，此类音乐的特点为黑暗病态、退缩，反积极，它更像是悲歌或拒绝而非是邀请。后来逐渐被Illbient/dark ambient所取代。著名厂牌包括Sombient/asphodel。代表音乐家有Robert Fripp，Vidna Obmana，Coil，Dj Spooky。

Ambient电子音乐

形成于80年代晚期和90年代早期。骨干音乐家包括Aphex twin,Pete Namlook, The Orb, Moby, Future Sound of London等等，周边音乐家还有Air，Bill Laswell。这场始于地下的音乐形式到90年代中后期逐渐流行。 sub-genre：ambient house//ambient techno//ambient breakbeat// ambient dub//soundscape Soundscape：没有明显的单一声音的重复或明显可辨的声音主题。对于一部分听众而言，这类音乐在听觉上不太友好，Radiohead的作品Treefingers，日本音乐家Nobukazu Takemura的作品，一些IDM音乐家的作品也属此类。

收藏 已收藏 播放 暂停