在1400年至1600年的200年中，欧洲见证了以意大利为中心的绘画，美术绘画，雕塑和建筑的惊人复兴，我们现在将其称为文艺复兴（ rinascimento ）。 由于 文艺复兴时期 （ La Renaissance ）的得名，它被赋予了这个名字（法语为“重生”）。 朱尔斯·米歇尔 （1798-1874）在1855年-在1860年出版了具有里程碑意义的著作《意大利文艺复兴时期的文明》（意大利 文艺复兴时期的迪尔·库尔特·德·文艺复兴 ）后， 雅各布·伯克哈特（Jacob Burckhardt） （1818-97），巴塞尔大学艺术史教授。

简单来说， 意大利文艺复兴 根据古典原理重建西方艺术 希腊艺术 特别是 希腊雕塑 和绘画，这为 盛大之旅 ，直到巴勃罗·毕加索（Pablo Picasso）和立体主义（Cubism）为止，它都没有受到挑战。

从14世纪初期开始，在他们寻求新的艺术价值和对宫廷的回应中 国际哥特式 风格上，意大利艺术家和思想家受到古希腊和罗马的思想和形式的启发。 这与他们创造一种普遍甚至崇高的形式的愿望完全吻合。 艺术 可以表达新的和更自信的时代情绪。

最重要的是，文艺复兴时期的艺术受到“人文主义”这一新概念的驱使，该理念已成为异教古希腊许多成就（例如民主）的基础。 人文主义淡化了宗教和世俗的教条，取而代之的是最重视个人的尊严和价值。

在视觉艺术中，人本主义代表（1）个人形象的出现，代替了刻板印象或象征性人物。 （2）更大的现实主义和对细节的关注，这体现在线性视角的发展和人脸和身体的日益现实主义上； 这种新方法有助于解释为什么古典雕塑如此受人尊敬，以及拜占庭艺术为何过时。 （3）强调和促进道德行为：文艺复兴时期的领先艺术理论家莱昂·巴蒂斯塔·阿尔贝蒂（1404-72）宣称：“没有好的作品和公义的行为就无法获得幸福”。

提倡道德行为反映了人们越来越多的观念，即人而不是命运或上帝控制着人类的命运，这是历史绘画（即带有“讯息”的绘画）被视为最高绘画形式的关键原因。 当然，在视觉艺术中对美德的探索还涉及对邪恶和人类邪恶的考察。

导致视觉艺术重生的原因尚不清楚。 尽管欧洲在查理曼大帝时期（约800年）从黑暗时代崛起，并见证了基督教教会在其12世纪/ 13世纪的复兴 哥特式风格 在14世纪的欧洲建筑计划中，见证了几场灾难性的丰收，《黑死病》（Black Death，1346年）以及英格兰和法国之间的持续战争。 对于创造力而言，这不是理想的条件，更不用说持续绘画，素描，雕塑和新建筑。 此外，最大的艺术赞助者教会在精神和世俗问题上意见分歧。

但是，也有更多的正电流出现。 在意大利，威尼斯和热那亚与东方的贸易往来很丰富，而佛罗伦萨是羊毛，丝绸和 珠宝艺术 ，这里拥有丰富的文化底蕴和艺术意识 美第奇家族 。

汉萨同盟城市联盟在德国的建立也证明了繁荣也正在进入北欧。 不断增长的财富为越来越多的大型公共和私人艺术项目委员会提供了财政支持，而以此为基础的贸易路线极大地促进了思想的传播，从而促进了整个欧洲运动的发展。

伴随着这种思想的传播，伴随着印刷术的发明，这种思想的发展大大地加快了速度，毫无疑问，变革的缓慢进展使人们产生了不耐烦的情绪。 经过一千多年的文化和知识匮乏，欧洲（尤其是意大利）渴望重生。

矛盾的是，教会的弱势地位为文艺复兴时期增添了动力。 首先，它允许人文主义的传播-在过去的时代中，人文主义将遭到强烈抵抗； 其次，它提示后来教皇喜欢 教皇朱利叶斯二世 （1503-13）在罗马和梵蒂冈过分地花在建筑，雕塑和绘画上（例如，参见 梵蒂冈博物馆 ，特别是 西斯廷教堂的壁画 ）-为了夺回失去的影响力。 他们对改革（c.1520）的回应-被称为反改革，这是特别的教义类型的 基督教艺术 -将此过程一直延续到16世纪末。

艺术史上的文艺复兴时期与西方伟大发现时代的开始平行，在此期间，人们普遍渴望探索自然和世界的各个方面。 欧洲海军探险家发现了新的海路，新的大陆并建立了新的殖民地。 同样，欧洲建筑师，雕塑家和画家也表现出了他们对新方法和新知识的渴望。 据意大利画家，建筑师和文艺复兴时期的评论员乔治·瓦萨里（Giorgio Vasari，1511-74年）称，这不仅是对绘画的日益尊重 古典艺术 这推动了文艺复兴，但人们也越来越渴望学习和模仿自然。

如果文艺复兴时期的框架是由经济，社会和政治因素构成的，那么意大利艺术家的才华推动了它的发展。 在14、15和16世纪，意大利文艺复兴时期最重要的画家，雕塑家，建筑师和设计师按时间顺序包括：

奇马布埃 （c.1240-1302） 因在阿西西（Assisi）的壁画而闻名。 乔托·迪·邦多内 （1267年至1337年） Scrovegni Arena教堂壁画。 法布里亚诺外邦人 （1370年至1427年） 有影响力的哥特式画家。 Jacopo della Quercia （c.1374-1438） 锡耶纳有影响力的雕塑家。 洛伦佐·吉贝蒂（Lorenzo Ghiberti） （1378年至1455年） “天堂之门”的雕刻家 多纳泰罗 （1386年至1466年） 最佳早期文艺复兴时期雕塑家 保罗·乌切洛 （1397年至1475年） 因视角方面的工作而闻名。 汤玛索·马萨乔（Tommaso Masaccio） （1401至1428年） 最伟大的佛罗伦萨早期画家。 皮耶罗·德拉·弗朗西斯卡 （1420年至1492年） 线性透视图的先驱。 安德里亚·曼特尼亚（Andrea Mantegna） （1530至06年） 因虚幻的透视技巧而闻名。 多纳托·布拉曼特 （1444年至1514年） 顶尖的高文艺复兴时期建筑师。 亚历山德罗·波提切利（Alessandro Botticelli） （1445年至1510年） 因神话绘画而闻名。 达芬奇（Leonardo da Vinci） （1452-1519） 莫娜·丽莎的创作者《最后的晚餐》。 拉斐尔 （1483年至1520年） 最伟大的高文艺复兴时期画家。 米开朗基罗 （1475-1564） 天才画家和雕塑家。 黄褐色的 （1477年至1576年） 最伟大的威尼斯调色师。 安德里亚·德尔·萨托（Andrea del Sarto） （1486年至1530年） 佛罗伦萨高级文艺复兴时期的领导人。 科雷乔 （1489年至1534年） 以虚幻的方形壁画而闻名。 安德里亚·帕拉迪奥（Andrea Palladio） （一五〇八年至1580年） 占主导地位 威尼斯文艺复兴时期的建筑 ，后来在Palladianism中被模仿。 丁托列托 （1518年至1594年） 宗教风格画家。 保罗·韦罗内塞 （1528年至1588年） Titian的彩色追随者。

文艺复兴时期画家和雕刻家总榜

意大利和西班牙 约1280-1400- 文艺复兴时期的艺术家 约1400-1490年- 早期文艺复兴时期的艺术家 约1490-1530年- 高文艺复兴时期的艺术家 约1530年-1600年- 风格艺术家

北欧 约1400-1600年- 北方文艺复兴时期的艺术家 。

雕塑家 约1400-1600年- 文艺复兴时期的雕刻家 。

文艺复兴对绘画和雕塑的影响

如上所述，意大利文艺复兴时期有四件事。 （1）虔诚复兴希腊/罗马古典艺术形式和风格； （2）对人的贵族的信仰（人本主义）； （3）精通幻术绘画技巧，最大程度地增强图片的“深度”，包括： 线性透视 ， 透视 和随后的 方形 ； （4）通过 sfumato 等油画技术增强了其面孔和人物的自然主义真实感。

在北欧，文艺复兴时期的特征是通过空间表示光并从不同表面反射光，这是一个进步。 （最明显的）是在画架肖像和静物画中实现至高无上的现实。 部分原因是大多数北方文艺复兴时期的艺术家在15世纪初开始使用油漆，而不是 彩画 要么 壁画 由于气候和其他原因，在意大利仍然是首选的绘画方法。 油画 可以提供更丰富的色彩，并且由于其更长的干燥时间，可以被重新加工数周，从而可以实现更精细的细节和更大的真实感。 石油迅速传播到意大利：首先是威尼斯，那里潮湿的气候不太适合蛋彩画，然后是佛罗伦萨和罗马。 （也可以看看： 艺术运动，时期，学校 ，以获取其他样式的简要指南。）

除其他外，这意味着尽管基督教仍然是该时期大多数视觉艺术的主要主题或主题，但福音传教士，使徒和神圣家族的成员被描绘成真实的人，以真实的姿势和姿态表达真实的情感。 同时，更多地使用古典神话故事的故事-例如，像爱神女神维纳斯（Venus）这样的偶像-来说明人文主义的信息。 有关更多信息，请参见： 分析名画 。

至于造型艺术， 意大利文艺复兴时期雕塑 反映了人物的首要地位，尤其是男性裸体。 多纳泰罗和米开朗基罗都严重依赖人体，但它们既不是动for的哥特式能量的载体，也不是静态的古典贵族的载体，而是更深的精神意义。 文艺复兴时期最伟大的两个雕塑是：多纳泰罗（David by Donatello）（1440-43，佛罗伦萨巴杰罗）和 大卫·米开朗基罗 （1501-4，佛罗伦萨艺术学院画廊）。 注意：对于受古典艺术启发的艺术家和风格，请参阅： 艺术古典主义 （800起）。

直到文艺复兴时期，画家和雕塑家仅被视为熟练的工人，与才华横溢的室内装饰师不同。 但是，为了实现产生周到的古典艺术的目的，意大利文艺复兴时期将绘画和雕塑专业提升到了一个新的高度。 在此过程中，最重要的是“ disegno ’-义大利语为’ 画画 ”，但其含义包含了艺术品的“整体设计”，而不是“ colorito ’，是指使用彩色油漆/颜料的技术。 Disegno构成了绘画和雕塑的知识性组成部分，如今已成为思想艺术家而非装饰艺术家的职业。 也可以看看： 最佳文艺复兴时期的图纸 。

早期和高文艺复兴时期的艺术家的思想和成就对在此期间追随的画家和雕塑家产生了巨大的影响。 16世纪意大利 后来，从 枫丹白露学校 （c.1528-1610）在法国。 文艺复兴时期的艺术理论被整个欧洲的所有官方艺术学院正式接受并颁布（过于僵化），其中包括罗马的圣卢卡学院，佛罗伦萨的迪卡尼奥学院，法国美术学院在巴黎和伦敦的皇家学院。 这种理论方法称为“ 学术艺术 规范了美术的许多方面。 例如，在1669年，法国科学院书记安德烈·费利宾（Andre Felibien）宣布了一种以文艺复兴时期的哲学为模型的绘画体裁体系，内容如下：（1）历史绘画； （二）肖像艺术； （三）流派绘画； （4）景观； （5）静物。

简而言之，意大利文艺复兴时期对 艺术史 ，在于推广希腊古典价值观。 结果，西方绘画和雕塑在很大程度上沿着古典路线发展。 尽管从毕加索开始的现代艺术家都在探索新的媒体和艺术形式，但西方艺术的主要模式仍然是文艺复兴时期所诠释的希腊古代。

通常将意大利文艺复兴时期艺术划分为多个不同但重叠的时期：

此编年史很大程度上遵循文艺复兴时期评论家乔治·瓦萨里（Giorgio Vasari）（1511-74）在权威著作“ Vitede’piùeccellenti architetti，pittori和scultori Italiani ”中所作的说明。

封建后的独立城市发展极大地促进了文艺复兴时期，即 Rinascimento ，例如在意大利和荷兰南部。 这些城市通过商业和工业而变得富有，通常有一个行会的民主组织，尽管政治民主通常是由一些有钱有势的个人或家庭制止的。 很好的例子包括15世纪的佛罗伦萨-意大利文艺复兴时期的艺术焦点-布鲁日-布鲁日的中心之一 佛兰芒画 。 它们是欧洲贸易和金融的双重支柱。 艺术的发展和装饰工艺的兴盛：在弗拉芒地区的勃艮第公爵，富裕的商人阶层和教堂的赞助下； 在佛罗伦萨，是富裕的美第奇家族的家族。

在这种宜人的气氛中，画家对 可见世界 的表现越来越感兴趣，而不是仅仅局限于 宗教 的 灵性，而宗教 的 灵性 只能通过符号和严格的约定赋予视觉形式。 由顾客（包括老练的礼拜者）的品位和自由态度认可的变化在中世纪后期的哥特式绘画中已经很明显，并最终达到了十四世纪和十五世纪初的国际哥特式风格。 在法国，法兰德斯，德国，意大利和西班牙的整个欧洲，画家摆脱了修道院的纪律，以其强烈的叙事兴趣展示了这种风格的主要特征。 宗教画 ，努力为麦当娜和其他受尊敬的图像赋予更多人情味和外观，并为肖像画提供更多个性，并介绍早期画家和僧侣认为所有景观，动物和鸟类的细节太平凡了。 可以说，这些也是文艺复兴时期绘画的特征，但在15世纪初期就出现了重要的区别。 Sienese绘画学校的Simone Martini（1285-1344）和翁布里亚出生的Gentile da Fabriano（c.1370-1427）等国际哥特式代表，仍然受到通过采用一种明亮，不切实际的颜色模式。 后代的现实目标涉及贯穿表面以提供新的空间感，衰退和三维形式的根本步骤。

这种决定性的现实主义进步首先在意大利和荷兰同时出现，尤其是在佛罗伦萨的Masaccio（1401-28）和布鲁日的Jan van Eyck（c.1390-1441）的作品中。 Masaccio被德拉克洛瓦（Delacroix）说是带来了绘画史上最伟大的革命，给马萨乔带来了新的动力。 文艺复兴早期绘画 在他的壁画在圣玛丽亚·德尔卡米布兰卡奇教堂中。

特别参见： 被伊甸园驱逐 （1425-6，布兰卡奇教堂）和 三位一体 （1428年，新圣母玛利亚教堂）。

这些叙事作品中的人物似乎在周围的空间中站立和移动。 他们以雕塑家在三个维度上的感觉为模型，而手势和表情的变化不仅建立了所描绘人物的不同性格，而且建立了他们之间的相互关系。 在这方面，他期待着莱昂纳多的特殊研究。 最后的晚餐 （1495-98，米兰圣母玛利亚修道院）。

尽管范·艾克（Van Eyck）也创造了一种新的空间感和远景感，但他的作品与马萨乔（Masaccio）的作品之间存在明显的差异，这也阐明了15世纪杰出的佛兰芒画派与意大利早期文艺复兴时期的区别。 两者都被视为同样“现代”，但在媒介和理念上却截然不同。 意大利有着悠久的历史 壁画 壁画本身就具有一定的风格，而荷兰画家则在油画中 面板画 相对较小的尺寸，保留了微型画家的一些细微之处。 的确，马萨乔不是唯一的创新者，而是发展了佛罗伦萨伟大的文艺复兴时期先驱乔托·迪·邦多内（1267-1337）的壁画叙事传统的人。 参见，例如，后者的 斯克罗维尼教堂壁画 （c.1303-10，帕多瓦）。

佛罗伦萨作为古典学习和哲学研究的中心也有不同的取向。 这座城市的知识分子使其成为15世纪文艺复兴时期的主要所在地，并且在每种艺术中都具有影响力。 致力于拉丁文和希腊文经典文献的研究和翻译的学者是富有和高尚家庭中的老师，他们分享了他们的文学热情。 反过来，这产生了对古代历史和传说的绘画版本的渴望。 画家的学科范围因此得到了极大的扩展，现在他还有更多的代表性问题需要解决。

这样，过去可能只是对过去的怀旧和艺术上的倒退，这才是前进的一步，也是令人兴奋的发现过程。 长期以来被排除在外的人体 美术绘画 和中世纪 雕塑 除了最微不足道和不切实际的形式外，宗教sc废者在描述神话中的神，女神和英雄方面有了新的重要性。 画家必须熟悉 解剖学 ，才能理解骨骼和肌肉的关系以及运动的动力学。 在现在被视为舞台而不是平面的图片中，有必要探索和利用 线性透视 的科学。 此外，古典雕塑的例子是将自然主义与完美比例和自然美的理想结合起来的激励。

画家和雕塑家以自己的方式主张人的尊严，就像人本主义哲学家所做的那样，并表明了对知识的同样渴望。 实际上，非凡的确是15世纪佛罗伦萨伟大艺术家的榜单，而且非凡的是，他们实践了不止一种艺术或表现形式的人数。

杰出的 美第奇家族 以各种方式促进了知识分子的气候和艺术的发展，使佛罗伦萨成为了文艺复兴的主力军。 乔万尼·德·美第奇（Giovanni de’Medici）（约1360年至1429年）在欧洲城市设有16家分支机构所建立的银行业所带来的财富，被用于这种文化的推广，尤其是家族中两个最杰出的成员科西莫，乔瓦尼（Giovanni）的儿子（1389-1464）和他的孙子洛伦佐（Lorenzo）（1448-92），他们以自己的天分受到财政，政治和外交人士的热爱，他们对书籍的热爱，对生活的慷慨支持和对古董的欣赏有许多种是普遍性的典型特征，而这正是文艺复兴时期的精神所在。

由科西莫·德·美第奇（Cosimo de’Medici）建立的该学院的柏拉图哲学和基督教学说的等式似乎已经批准了画家活动在宗教和异教徒之间的划分，这种情况经常发生。 美第奇创造的知识氛围令人振奋，使佛罗伦萨远远超过了邻近的锡耶纳。 尽管15世纪的意大利其他城市都无法称得上如此天才的艺术天才，但距离佛罗伦萨最近的城市同样是由开明的赞助者管理的城市。 Ludovico Gonzaga （1414-78年）的曼托瓦侯爵（Marquess of Mantua）是一位典型的文艺复兴时期统治者，他在政治和外交方面的才能，对人本主义学习的鼓励和浓厚的品味促使他形成了一个伟大的艺术收藏并雇用了安德里亚·曼特尼亚（Andrea Mantegna（ 1431-1506）作为宫廷画家。

乌尔比诺公爵 Federigo Montefeltro也 有类似的能力。 像卢多维科·冈萨加（Ludovico Gonzaga）一样，他还是著名的人文主义老师维托里诺·达·费尔特雷（Vittorino da Feltre）的学生，他在曼托瓦（Mantua）的学校结合了男子气概的习俗和对希腊和拉丁作家的研究，并灌输了人文主义对人的全面改善的信念。 在乌尔比诺（Urbino）法院，该法院设定了巴尔达萨雷·卡斯蒂廖内（Baldassare Castiglione）在《伊尔·科蒂亚诺（Il Cortigiano）》中所描述的举止和成就的标准，公爵招待了许多画家，其中主要是伟大的皮耶罗·德拉·弗朗西斯卡（Piero della Francesca，1420-92年）。

马萨乔之后的文艺复兴时期绘画故事使我们首先虔诚 弗拉·安杰利科 （约1400-55年），出生较早，但寿命更长。 哥特式风格仍然保留在他的作品中，但传统的纯真，也许首先引起人们的注意，是伴随着线条和结构感的成熟坚定。 这在他晚年的画作中很明显，如现在在卢浮宫 中的《贤士的崇拜》 和壁画，描绘了圣史蒂芬和圣劳伦斯的生活，这些壁画在1440年代后期在梵蒂冈为教皇尼古拉斯五世作壁画。 他们向他表明，他已经意识到并能够利用他那时代不断变化和扩大的态度取得优势。 另请参阅他的绘画系列 报喜 （约1450年，圣马可博物馆）。 尽管如此，他的学生Benozzo Gozzoli（c.1421-97）仍然保持着欢乐的装饰色彩和国际哥特式风格的细致入微，例如佛罗伦萨佛罗伦萨里卡迪宫 的魔术师游行队伍 ，他在其中介绍了马术。洛伦佐·德·美第奇的肖像。

比Masaccio更靠近Fra Angelico Fra Filippo Lippi （约1406-69年），一个早年的加尔默罗僧侣，也是科西莫·德·美第奇的门徒，他沉迷地看着艺术家各种风情和别样的经历。 弗拉·菲利波（Fra Filippo）在他的壁画和面板上专门绘画的宗教题材中，表现出倾向于庆祝理想化人类的魅力的趋势，这与15世纪对技术创新的追求形成鲜明对比。 在纯粹的美学或知识品质上，他没有像将麦当娜描绘成本质上是女性那样鲜明。 他理想化的模型轮廓修长，黑眼睛，眉毛高高，鼻子略带复古，嘴巴小，为其他人提供了标志性图案。 某种表达的渴望也许传给了他的学生桑德罗·波提切利（Sandro Botticelli，1445-1510）。

在波提切利的画作中，总结了文艺复兴时期前述的许多发展。 他擅长于Fra Filippo想要赋予的特征和形式的优雅，其中包括Botticelli的当代艺术， 多梅尼科·吉兰达约（Domenico Ghirlandaio） （1449-94），他的壁画和肖像画也令人愉悦。 他以独特的绘画方式诠释了洛伦佐·德·美第奇的人本主义哲学家的新柏拉图主义。 巧妙的寓言网络中，洛伦佐·迪·皮埃尔弗朗西斯科·德·美第奇（Lorenzo di Pierfrancesco de’Medici）的家教马西里奥·菲奇诺（Marsilio Ficino）试图证明恩典，美丽与信仰之间的关系， La Primavera （乌菲齐（Uffizi）约1482-3年）和洛伦佐（Lorenzo）的别墅被处决 的维纳斯 （ Venus ） 出生 （乌菲齐（Uffizi）约1484-6年） 波提切利的艺术也可以看到对安吉洛·波利齐亚诺（Angelo Poliziano）的经典的诗意处理，他也是美第奇家族的导师。 尽管他的人生生涯一直延续到上世纪文艺复兴时期，但他仍然以清晰的色彩和精美的自然细节为乐，代表着运动的年轻人。 也许在他的美之女神的渴望之美中，可能会发现一些中世纪的怀旧之情，最终，当原教旨主义的和尚走向中世纪时， 沃纳罗拉 谴责美第奇及其所有作品，他做出了热情洋溢的回报姿态。

Botticelli的线性设计既怀旧又不失纯净，但仍未受到光线和阴影的影响，这使他成为19世纪拉斐尔前派崇拜的特殊对象。 但是，和其他文艺复兴时期的艺术家一样，他内在的能量使他的线性节奏具有强烈的情感表达能力和温柔的修养。 以金星或阿波罗雕像为代表的文艺复兴时期与古典风格的平静表现之间的距离，存在于这种精神或意图的差异中，即使不知不觉中也是如此。 自然能量的表达在佛罗伦萨自然而然地表现为 男性裸体 ，给画家和雕塑家的作品带来了非常规的暴力 安东尼奥·波莱欧洛 （1426年至1498年）。 Pollaiuolo是最早解剖人体以准确追踪生物体中骨骼，肌肉和肌腱运动的艺术家之一，其动态效果如他的 赫拉克勒斯和安塔伊斯的 青铜器中的挣扎在肌肉张力中一样（佛罗伦萨（巴杰罗）和他的画作 《圣塞巴斯蒂安难》 （伦敦，伦敦）中弓箭手的动作。 鲜为人知但更具影响力的艺术家安德里亚·德尔·卡斯塔尼奥（Andrea del Castagno）（约1420-57年）在壁画中也可以看到同样的雕塑风格。

卢卡·西诺雷利（Luca Signorelli） （c.1441-1523）尽管是作为皮耶罗·德拉·弗朗西斯卡（Piero della Francesca）的学生而与翁布里亚学校有联系的，但在佛罗伦萨·波列乌洛（Florentine Pollaiuolo）处理这个人物的过程中受到了强烈的影响。 由于解剖学上的细微之处较少，但更多地强调肌肉和肌腱的向外隆起和条纹，他也针对运动的动态效果，通过突然的手势爆炸来获得它们。

这是努力的方向，似乎自然而不可避免地导致了米开朗基罗（1475-1654）的成就。 尽管他在西斯廷教堂的《最后的小屋》和奥维多大教堂的壁画上的西格诺里的版本之间在思想和风格上存在明显差异，但它们的共同点却是强大的能量。 这种特质使它们显得远离古典艺术的平衡与和谐。 拉斐尔（1483-1520）在梵蒂冈的帕纳苏斯（Parnassus）和罗马的法内西纳（Farnesina）的加拉太（Galatea）的阿波罗（Apollo）中，更接近古典精神。 文艺复兴时期最鲜明的地区对比之一是，在托斯卡纳，在人物形象的表现上，与艺术的感性语言相比，艺术的基本朴素和知识性之间。 女性裸体 由Giorgione（1477-1510）和Titian（c.1485-1576）在威尼斯作画。 （有关更多信息，请参阅： 威尼斯人肖像画 c.1400-1600。）尽管在这方面佛罗伦萨科学也不是没有影响。 Giorgione和Antonio Allegri da Correggio（1489-1534）在Parma中采用了Leonardo da Vinci设计的阴影的柔和渐变，以赋予建模微妙之处，以增强金星，Antiope或Io的妖charm魅力。

文艺复兴时期的大师们不仅对解剖学进行了专门研究，而且还对视角，数学比例以及总体上对空间科学进行了研究。 对知识期的渴望可能部分解释了这种抽象的追求，但它具有更具体的起源和原因。 线性透视图首先是对建筑师进行图纸研究和改造的经典研究，他们寻求复兴。 在这方面，伟大的建筑师菲利波·布鲁内莱斯基（Filippo Brunelleschi（1377-1446））是他在罗马进行研究的负责人。 在佛罗伦萨，他在圣乔瓦尼广场的素描中展示了视角，这引起了其他艺术家的兴趣，尤其是他的朋友马萨乔。 建筑师 莱昂·巴蒂斯塔·阿尔贝蒂 （1404-72）是科学理论的另一个传播者。 与三维立体幻觉有关的画家意识到立体感对空间效应的重要性-这个问题涉及幻像壁画技术，例如 Quadratura ，这是Mantegna在Mantua公爵宫首次实践的。 照相机degli Sposi壁画 （1465-74）。

Paolo Uccello（1397-1475）是佛罗伦萨科学界的最早的推动者之一。 他的画 圣罗马诺战役 伦敦国家美术馆以其美丽的纹章画，是一系列计算精美的几何形式和数学区间。 甚至地面上破碎的长矛也是如此排列，以至于使眼睛无法看见。 他缩短了俯卧在地上的骑士的动作，这是安德里亚·曼特尼亚（Andrea Mantegna）效仿的一种技巧。 是Mantegna将新的艺术科学带到了威尼斯。

在抽象与数学思想和影响的复杂交流中，皮耶罗·德拉·弗朗西斯卡（Piero della Francesca）脱颖而出，成为最伟大的人物。 尽管是一名翁布里亚人，他出生在小镇圣戈尔·波哥罗（Borgo San Sepolcro）小镇，但当他与威尼斯人出生的年轻人一起时，却吸收了佛罗伦萨和佛罗伦萨艺术的氛围 多梅尼科（Domenico Veneziano） （c.1410-61）。 多梅尼科吸收了托斯卡纳的风格，并以自己的观点为榜样，例如现在在剑桥菲茨威廉博物馆的美丽《 天使报喜》 中，尽管皮耶罗很可能从布鲁内莱斯基，阿尔贝蒂和多纳泰罗这三位研究先驱那里获得了他对设计的科学态度。 （1386-1466）是美国最伟大的雕塑家 十五世纪 佛罗伦萨。

Piero具有经典的有序设计和丰富的构想，但没有Mantegna所具有的古董主义色彩，对许多画家产生了影响。 他的佛罗伦萨当代艺术作品充分体现了他对文艺复兴时期建筑的内部观点，为他的人物构图增添了几何抽象元素。 安德里亚·德尔·卡斯塔尼奥（Andrea del Castagno） （c.1420-57）。 僵化的几何设置与安德烈（Andrea）的杰作 《 佛罗伦萨的圣阿波罗尼亚修道院的 最后的晚餐》 中的使徒表达灵活，但又强调了人类表达的灵活性。 安东内洛·达·墨西拿 （1430-1479）将佛兰芒油画技术引入威尼斯的人也带来了一种源自皮耶罗·德拉·弗朗西斯卡（Piero della Francesca）的形式感，反过来又激发了它对 乔凡尼·贝里尼（Giovanni Bellini） （1430-1516），使他摆脱了像Mantegna这样坚硬的线性风格，并为他的领导力成熟做出了巨大贡献 威尼斯绘画 以及Giorgione和Titian的老师。

在15世纪意大利文艺复兴的整个辉煌发展中，达芬奇和米开朗基罗是继承人。 艺术家的 普遍性 是本世纪的重要方面。 建筑师，雕刻家，画家，工匠和字母匠之间没有严格的区别。 阿尔贝蒂（Alberti）是建筑师，雕塑家，画家，音乐家和艺术理论专着。 安德里亚·德尔·弗罗基基奥（Andrea del Verrocchio） 莱昂纳多（1435-88）的早期大师，被描述为金匠，画家，雕刻家和音乐家：在雕塑中可以与任何大师竞争。 但是 莱昂纳多 和 米开朗基罗 以最高程度展示了这种普遍性。 莱昂纳多（Leonardo），工程师，先知发明家，博学多才的大自然学生，令人着迷的杰作画家，从来没有让自己感到惊奇。 举例来说， 岩石圣母 （1483-5，卢浮宫，巴黎）和 一位与艾米妮的女人 （1490年，克拉科夫Czartoryski博物馆）。 雕塑家，画家，建筑师和诗人米开朗基罗可以说的很多。 佛罗伦萨成就的顶峰，也标志着这座城市的伟大衰落。 经过漫长的衰败之后，雄心勃勃的教皇恢复了罗马的辉煌，米开朗基罗和拉斐尔共同提出了具有纪念意义的构想 高文艺复兴时期绘画 ：两个绝对的杰作是米开朗基罗的 创世纪壁画 （1508-12，罗马的Sistine Chapel天花板），其中包括著名 的亚当创作 （1511-12）和拉斐尔·圣齐奥的 西斯廷·麦当娜 （1513-14，德累斯顿的Gemaldegalerie Alte Meister）。 此外，两位艺术家均被任命为新艺术家的负责建筑师。 罗马圣彼得大教堂 ，是该城市从中世纪到文艺复兴时期城市转型的象征。 专注于研究的莱昂纳多终于被吸引到了法国。 然而，在这些伟人中，佛罗伦萨的天才依然存在。 对于后期文艺复兴时期的故事，在该时期（约1530年至1600年）-这个时期包括 威尼斯祭坛 以及 西斯廷教堂的祭坛墙上 米开朗基罗的宏伟但令人生畏的 最后审判壁画 -请参阅： 意大利的风俗画 。 也可以看看： 提香和威尼斯彩色绘画 c.1500-76。

以下意大利画廊收藏了文艺复兴时期的绘画或雕塑作品。