爵士乐的发展历史是怎样的？

os：在这种没人听的音乐类别上花这么长时间，我也真是疯了

刚刚在David Brubeck 的母校花了一个学期学爵士历史(好吧，因笔者拖延，已经不是“刚刚”了），就来整理一下笔记吧。

艺术家的名字会用我用于应付考试而记忆的简称，读者也容易留下印象，但如有冒犯尽请谅解啦。另外，有不足或不准确的欢迎补充改正哦。

1.1爵士精神：

按我们教授的话来说，爵士有三个重要组成部分：

即兴演奏

即兴演奏

和……

即兴演奏

毕竟艺术是主观的，虽然爵士在我们教授眼里是这样的，但在综合周围学爵士的同学的回答后，我认为其实这三个部分是：

蓝调（事关爵士起源，并一直伴随着爵士）

同情心或共情性（事关爵士的传承）

即兴演奏（迫于教授淫威——好吧，其实真的很重要）

1.2爵士音乐结构：

其实大多数爵士表演都是重复的过程：

先演奏一遍事先写好的“原曲”（head），然后每个乐器按照“原曲“的“和弦进行”(chord progression)来即兴独奏。

常见的即兴演奏顺序是：

歌手-->铜管乐器—>钢琴—>低音提琴（double bass)—> 架子鼓

不同于古典乐现场，观众不仅会在每段即兴独奏后报以掌声，而且如果在即兴独奏中听到自己喜欢的片段，还可以大胆地喝彩。

有时架子鼓会做”trade four“：鼓手先即兴四小节，然后其他一个乐器即兴四小节，如此循环往复。

当你看到某个乐手开始摸摸头，那就代表要回到”原曲“了（教授脑袋可能就是这样秃的……）。

于是在又演奏一遍“原曲”后，一首爵士曲就结束啦。

当然，以上适用于爵士吧里的那种小团体演奏（trio/small combo)，大的“大乐团”（或big band）因为做不到每个乐器独奏，所以只会选出一两个出众的，这种对于事先编排的与即兴表演之间的平衡，后面会讲。

1.3 "The Book"

有一个被爵士初学者当作命根子，但被爵士老炮们鄙视的书，名为"The Fake Book" 或“ The Real Book"。其中包括了无数经典“流行乐”（上世纪的……）的和弦进行与旋律，大概每页长这样：

第一行与第二行之间的Ab -7就指的是Ab minor seventh 和弦，之后的F#-7之类的同理。每个符号后面隐含着无数种弹出这个和弦的voicing

上面讲到根据“和弦进行”来即兴，就是根据这些“字母数字”进行即兴。不过即兴者不一定要按照原和弦，可以做比如像tritone substitution之类高级的东西（可参照后文提到的"Over the Rainbow"-- Art Tatum)。钢琴，吉他，大提琴等可以根据这些和弦提示来做comping（意为伴奏？但更爵士性地伴奏）。

此外，五线谱内为原旋律，五线谱下面是歌词。

至于这样一本神书为什么会被爵士老炮鄙视呢？

因为正宗（老一辈）的爵士乐手，认为听唱片学曲子更“爵士“，所以会鄙视那些听不出chord progression而只能读谱的“菜鸟“（爵士食物链最底层——也就是笔者）。

而且书中很多的调通常都不被专业爵士艺术家使用，比如经典曲目"Autumn Leaves"在此书中的调就不常被用，但思考者（Bill Evans）弹过的调则很受欢迎。

1.4 “原曲”（head）大多有两种结构：

蓝调格式（blues form) ：十二小节，每小节四拍（随便搜搜百科就能找到更清楚的解释） 最好找来听听，试着跟着勾勒出音乐结构是接触爵士的第一步。

蓝调例子：

AABA: 也就是流行乐格式（同样，这里说的“流行”，也是上个世纪的事情了），具体结构如其名，更详细的自己搜吧。

AABA例子：

爵士有两个根，一个是蓝调，一个是雷格泰姆（ragtime，中文翻译不明觉厉）。

2.1 蓝调

蓝调又有三个早期形式：宗教，乡间，以及大篷车表演。

但这一切要从Georgia Sea Islands 这个岛域说起。

这里住着最开始被解放的黑奴，蓝调是从这里的宗教聚会中诞生的。这个岛上的音乐是在1920在一座连接岛域的大桥建成才被世人所知。若你去过非裔教会的话，就会明白蓝调的重要性：不同于中世纪的“教堂音乐”，这种音乐很躁、很带感，台下观众会在音乐中哭天喊地的。“hallelujah”，“Amen”此起彼伏。听一听现在的魂乐(soul)，也可以感受到这种氛围

例子：”Mercy Mercy Mercy”：名字就张扬地表示自己的目的。

除了宗教性之外，蓝调也成为了解放后黑奴在田里唱的“劳工号子”，或是民间男性（最早是男性）拿着个吉他唱着无人问津的歌谣（通常很致郁，毕竟blues也有忧郁下流的意思）。

还有就是大篷车表演了，这是蓝调包围城市的主要途径，著名的表演者包括麻麻（“Ma” Rainey)，和贝贝（Bessie Smith)：

麻麻（“Ma” Rainey)：传说她如同唱歌剧的女高音一样，唱歌时就算不用麦，全场观众也感觉她在对着他们耳朵吼。那时候录音质量极差，不过可以从“Deep Moaning Blues”开始听。

贝贝（Bessie Smith)：当时最有名的流行歌手，火到甚至于演过电影(St. Louis Blues)，不过晚景悲凉，于车祸中丧生。但是，手臂哥（Armstrong）是在她的影响下找到自己的爵士的，"West end blues" 中可以听到他们俩的合作。

2.2 雷格泰姆音乐(名字真心霸气）

雷格泰姆最早是一种主要在钢琴上表演的风格，但其实这是一个人的舞台：

啾啾（Scott Joplin)：

“Maple Leaf Rag” “The Entertainer”等等，你就去搜吧，肯定在某大型游乐场所听过。虽然听多了感觉所有他的曲子都一个样子，一不小心就弹串了……不过就算弹串了，听起来好像也没什么问题……

对了，他去世的时候留声机还没有发明。那么，

问：为什么我们如今能听到他演奏的录音呢？

（留给你大开脑洞的空间）

ok，收。其实是因为在那时，机械钢琴已经发明了（就《西部世界》片头那个）。个人一直以为机械钢琴是超乎神人的发明，可想而知留声机，手机，电脑……天，还是讲历史吧。

之后雷格泰姆进入了铜管乐队的视野。许多内战战后留下来的铜管乐队看没事做，就吹着雷格泰姆来为街上为游行派对的队伍增添气氛，或者像下面这位，直接进入了歌舞厅表演：

流汗叔（Wilbur Sweatman)

作品比如有：“Down Home Rag”

按说是爵士的祖师爷，但个人讲……那调皮的驴叫不可恭维。

哦哦哦！爵士终于来啦……但，这些音乐都是什么玩意儿？（非常主观的看法）

3.1 新奥尔良

有这样一个神奇的地方叫新奥尔良（没有烤鸡翅！没有烤鸡翅！）。先被法国建立，然后被卖给西班牙，然后被法国重新占领，然后又被卖到美国。

然后然后的，买来买去的，人口也开始复杂。非洲音乐，欧洲音乐，和加勒比（海盗）音乐汇集在一起。

关于爵士乐的诞生，我们主要看两个人群：Creoles 和Uptown blacks（不想种族歧视，不过既然书里都这么叫应该没问题吧）。

Creoles是黑裔混血儿，有选举权，高等教育，还能拥有财产。Updown blacks是纯的，于是社会待遇就很差，别说高等教育了，那会儿连选举权都没有。两伙人各自看不惯对方的音乐，因为Creoles自恃可以读乐谱，瞧不起blacks的"乱吹“，而blacks自恃可以用耳朵学音乐并有自由的即兴演奏，看不惯creoles的条条框框。

话说合久必分分久必合，接着一个jim crow law就把两群人拉到一个社会层次了（往上拉了还是往下拉了？当然是往下……）于是有了艺术风格的融合。虽然这两组人并不分别代表蓝调与雷格泰姆，但在这过程中，爵士终于诞生了，或新奥尔良爵士诞生了。

这种至今仍在的新奥尔良爵士风格，其标志性的质感就是polyphony：也就是一群独奏者们各自吹自己的即兴。一开始你会有些感觉乱七八糟，但逐渐会被其庞大的信息量所征服。

Tuba Skinny是一个在油管上蛮火的新奥尔良爵士乐队，他们有着最传统的乐队结构——用班卓琴而不是钢琴作为“和声乐器“，用大号而不是低音提琴弹“根音”，用单簧管三人组而不是萨克斯作为“主旋律乐器”。

某站上也有他们的postage stomp——不仅可以听到polyphony，看到群众的swing舞蹈，开头还有可爱的彩蛋（可爱得让我重看不下十遍～）

3.2继承者们

最早的爵士是一个人为主角，带动一个乐队，不过在讲各个乐手前，先解决一个问题：

“刚出生的爵士是如何被传承下去的？“

因为没人能定义爵士，所以每个人都能找到”自己的爵士“。大多数爵士艺术家会从听过去天才的演奏开始，选出”自己想要的声音“之后开始模仿，transcribe（也就是听着碟片把天才的即兴一个音不差地吹下来），然后再做自己的改变。如果在过去找不到自己的声音，没问题，可以学英里哥（miles davis）直接改变爵士（后面会讲到）。

我们在这个时期就看到了最早期的爵士传承。

好伙伴（Buddy Bolden): 第一位重要爵士艺术家。“big voice”: 传说气息大到不小心把静音塞从乐器吹飞出来。不过最后晚景凄凉，而且没有留下录音：因为没有机械铜管乐器。他的曲风极大地影响了国王和后来的手臂哥（Armstrong）。

Manuel Perez(既然没起简称……机敏的读者就知道我偷懒没记这个名字）：Creole乐队指挥，不会即兴（“所以不是爵士艺术家！“ 我们教授突然很精神地说）。自知短板，就雇了国王（King Oliver)在乐队里吹即兴的部分。也晚年凄凉（咦？为什么是“也”？），去做香烟了。

国王（King Oliver)：离开Perez后单飞，后带着手臂哥（Armstrong）玩，不料后者勾走钢琴手后单飞至纽约（当然谁的责任后面再说）。因为有牙周病，最后吹不了心爱的单簧管，也是晚景凄凉（咦？为什么要“也是”？）

于是，在国王的助攻，在贝贝和好伙伴的音乐中找到自己的声音后，手臂哥出场了！

手臂哥（Louis Armstrong）：小号吹的无人能敌，但有一个唱歌的梦。

教授认为是他带来了摇摆时代（不要看成摇滚！），是他教会了爵士phrasing。 反正是个捧为神的人物。

本人更偏向于喜欢他的嗓音而不是小号的风格，感觉他吹得太浮夸闹腾了。看一眼他的照片，反正感觉音乐也是这个风格了。

可能我没在他的音乐里找到“自己的声音“吧。

若想了解的话，可以听听他的专辑“The Hot Five and Hot Seven“，以及他和艾拉（Ella Fitzgerald)的合作："The complete ella and louis on verve"。

既然都提到了手臂哥，就要提他的“宿敌“：

“凶你“（Sidney Bechet)

当他们吹得火热的时候，有一部分独奏者决定要走向另一种风格（不过注意，这还没有到冷爵士），一种比较轻快悠闲的风格。

中分（Bix Beiderbecke）

3.3 乐队们

除去这些陈独秀们，让我们往回倒倒，看看爵士刚出现时的乐队们吧。

The Original Dixieland Jazz Band（ODJB）：名字不能再张扬了。我们就是“original” ！我们就是“jazz band”!

上课时听的是他们的“Dixie Jass Band One-Step“，主观地说：这到底是什么玩意儿？最后单簧管的尖叫余音绕梁，让我彻夜难眠。难听也就算了，还特别洗脑，真是没天理了（当然这是我非常主观的看法）。

然而，想想在一个被古典音乐包围的世界，突然听到这个，是不是有些解脱呢？总之他们当时是火得一塌糊涂，也是第一个进录音棚的爵士乐队。

当然，乐队领班最后疯了，晚景凄凉（这是第几次了？）

再介绍一个乐队吧，

Jelly Roll Morton and His Red……（别急，猜猜看是红色的什么）

（留给你大开脑洞的空间）

真喜庆～

据说《海上钢琴师》里那个声称自己发明爵士的人就是这个乐队的领班人，果冻先生（Jelly Roll Morton）。

他建立了爵士作曲家的标准：回顾教授的淫威，果冻先生平衡了乐队中按谱子吹的部分，以及乐手即兴的部分。具体可见“dead man blues"，开头你还可以听到俩戏精极具南方腔调的开场（其中一个是果冻先生本人），至今我也没有百分百听懂开场白在讲什么。

虽然之前提到的乐队和乐手们都也和这个时期重叠，但是为了方便整理，我把这两拨人分开了。其实官方来说并没有一个“早期爵士时期“，而摇摆时期也没有个绝对的日期来开始和结束，甚至现在在有些大学中都还有swing band。

4.1 纽约与舞蹈

来了，来了，都来了：留声机，碟片，自动唱机(jukebox)，电影，收音机……然而，就如同谁也没想到万恶的jim crow law会让爵士萌芽一样，万万没想到，支持爵士摇摆时期的中坚力量是：

禁酒令

虽命令上禁酒，但参照《大西洋帝国》，《无法无天》，《了不起的盖茨比》等等，人民们还是玩得很嗨。古典乐当然满足不了这种情感需求，爵士乐便冲向市场，开启了摇摆时期。

摇摆时期中，所谓摇摆，其实指的就是舞蹈（当然还有swing rhythm这种特殊节奏），而这时代下的音乐就为了舞蹈服务，所以大众也喜欢，亲国亲民，与民同乐，多好！（我看的就是你，比波普爵士！）这种舞蹈以娱乐，轻松，浮夸，甚至“极具运动员精神”（教授原话）作风格代表。

画风是这样的

这样的：

甚至是这样的：

可以网搜lindy hop和air step，让人叹为观止。话说印象中星爷某部电影里也有这样的“充满运动员精神”的舞蹈。

舞蹈之风靡，据说有一个舞厅叫Savoy，大到两个乐队可以在舞厅两端演奏，然后……

互不打扰～

4.2 乐队们

简单列一下乐队领班吧

Art Hickman: 来了纽约，我带着我的爵士乐队来了！终于有地方逃脱新奥尔良的曲风了！（诶？写到这里笔者饿了……）

蛤？How old are you(新奥尔良曲风，怎么老是你）？溜了溜了，不喜欢纽约。

小白人（Paul Whiteman）: 来了纽约，我带着我的爵士乐队来了。什么？爵士在你们古典大咖眼中太low了？好呀，我要用古典乐的力量改变爵士！

若有兴趣可以听他的“Changes"（那个男人也在里面哦）

Fletcher Henderson:

有兴趣可以听他的“Copenhagen"，将ragetime strains和 blues form结合在一起，包括谱出的polyphony，block-chord，breaks等等：swing band 的元素应有尽有。

好人(Benny Goodman)

想听他大乐队的，只要搜他名字就出来了，而他私房小乐队(small combo)中，我最喜欢他和狮头(Lionel Hampton)，一个颤音琴手，合作的“Dinah"(十分“小资”又优雅的感觉）

运车夫（Benny Carter):

ok，“小鱼小虾”（当然这样说比较夸张了）列举完了，下面就是真正的大咖啦：

公爵（Duke Ellington）：

他强到什么程度呢？我们用了整整一个Unit来学他。当然在这里，我就不负责任地只提有意思的讲了。

他还有个很强的作曲二把手，走失小号（Billy Strayhorn)，公爵乐队耳熟能详的代表作"Take the A train"传说是这样写出来的：在走失小号第一次去投奔公爵时迷路了。在询问路人路线后，突然从路人说话的语调中找到了灵感，在火车上一气呵成，带给公爵作为见面礼。

不幸的是，Billy Strayhorn 后来染上了血癌。在离去前，于病床上写下最后一组爵士编曲。公爵的乐队录制其成专辑后命名为"...And His Mother Called Him Bill"，其中“Blood Count”在我看来是最经典的big band作品，没有之一。

4.3 跨步钢琴演奏风格(Stride)：继拉格泰姆后又一著名爵士钢琴曲风。

爵士钢琴太low？雷格泰姆听起来像儿童歌曲？

皮皮没有虾（James P. Johnson）： "那么试试弹stride？"

这种风格特征是左手持续地在root note 和chord间跳跃，具体可自己听著名的“Carolina shout”。

但这种钢琴风格，难得地方不在于简单地弹下来整首曲子，而是在保持左手准确率下，右手进行即兴演奏。

同样，stride也是为了“蹦迪”服务的。当出租屋内雇不起（放不下）乐队时，若想办派对，就雇个stide钢琴师。而一个合格的stride钢琴师，通常要能持续不断地弹一晚上。先不说钢琴师要多么思绪泉涌，才能持续地让派对躁起来，光是让左手坚持这么久都是要命的。

虽然这里的爵士大体上也属于摇摆时期，但是因为文章排版以及作者主观看法，分出个独立板块——堪萨斯州太特别了。

首先，堪萨斯州不在西部，而是中部，不过鉴于其是向西移动了，普遍称作southwest jazz。其次，听说过Kansas City Blues吗？这其实就是这里音乐最大的特点。

5.1肯萨斯州的摇摆乐队

除了之前提到过的纽约摇摆乐队，每个地方都有自己的territory band，也就是不是那么有名，但又能满足娱乐需要的地方性乐队。接下来讲的Count Basie Orchestra也是从territory band开始努力的。

计算伯爵（Count Basie）

为什么要专门把这个从其他swing band分出来？这跟他们团体氛围有很大关系。

不同于雇佣专门谱曲的乐队，他们采用head arrangement（翻译过来是头部编曲？）的方式来为自己谱曲，具体是这样进行的。

某个乐手突然灵感爆发，吹出一段有意思的旋律。旁边坐他旁边的老兄一听：诶，不错。便一起吹，然后当某一乐器的整个section被统一后，其他乐器听到了，开始琢磨counter part。由此进行，如滚雪球一样越来越大，一个chorus就诞生了。然后在正式表演中，只要稍加指挥，他们能随时从脑子里抽出任何一段吹过的riff，由此填充一个又一个演出。因此，他们从没有过乐谱（直到他们后来去了纽约，为了商业利益开始写谱子）

这种对音乐创造力，敏感度，以及记忆力极高的要求，使其完全不同于其他swing band。

“One O'Clock Jump"就是这样创作出来的，大多数人不知道的是，这首曲子原名叫“Blue Balls"，具体我也不翻译了，但这名字很好地暗示出他们创作时那种放松且不羁的氛围。

5.2 肯萨斯州的钢琴：boogie woogie

不同于纽约的stride，肯萨斯州的钢琴有其独特的风格，而这也是我个人最喜欢的音乐风格之一。

不同于跳跃的左手，这种曲风的左手会以蓝调结构做极速的ostinato，而右手就腾出来即兴。

这音乐所带来的粗糙的欢乐有极大的煽动性——是那种不可能坐着听的音乐——而且这种充满可能性的结构让每个大师的"声音"变得独特并有辨识力。

Pete Johnson是这种音乐的代表人物，曾带着一个酒保（Big Joe Turner，其实酒保是副业，主业是唱歌)在一个极强的音乐星探（John Hammond)的帮助下去了卡内基大厅演出（不知那个鼓手会怎么想）。

音乐会名为“From Spirituals to Swing"，而他们的表演也被录音，名为“It's all right baby"

讲过“早期爵士”的独奏者，这里要接着那条线，讲讲摇摆时代的独奏者们。

这一群铜管乐器独奏者主要分为两类：热与冷。

6.1 ”热“铜管乐器

主要特征为：夸张的颤音（heavy vibrato)，有力的音色（powerful timbre)，热情的情感（emotional zeal)，有创造力的和声（harmonic ingenuity)，以及经常使用的和弦替代(chord substitution)

油菜人（Coleman Hawkins):

6.2 “冷”铜管乐器

冷类主要特征为：极少的颤音，柔润的音色，平静的情感，虽然会有极其blusey的音符，但是不会在五度圈（circle of fifth)飞来飞去的。

杨大叔（Lester Young):

当然，并不是说所有“热乐器演奏家”只吹热的，或所有“冷乐器演奏家”只吹冷的，这里只是讲他们的大体风格。

6.3 歌手们和其他乐器

Ella Fitzgerald :

若想感受她scat的“恐怖”，可以从“blue skies"开始（她同时标志着“引用旋律”的流行，比如这首中，她就引用了"rhapsody in blues“ 和《结婚进行曲》，试试看你能不能找出来）。这种旋律创造力与音域让许多吹铜管的都怀疑人生。除此之外，她的高音清澈高远，其"Moonlight in Vermont" 和“Misty” 能让人听得腿软。在"The Complete Ella and Louis on Verve"中与手臂哥（Armstrong)沙哑声音的结合，令人欲罢不能。至此，Ella是我最喜欢的爵士女歌手。

假期姐（Billie Holiday）

朵拉的哥哥（Django Reinhardt)

艺术TA(Art tatum)

先听一遍他的"Over the Rainbow"

对，先去听一遍

别着急

给你个机会

然后……

先声明一下，比波普爵士是一个对爵士小白不太（好吧，是“极其不”）友好的时期。从不可捉摸的和弦变化（可搜一搜大鸟最喜欢的“cherokee”的lead sheet），到疾驰的节奏，阻隔了大多数（所有）技艺不精的爵士小白，也阻隔了大众的兴趣。

若你是“大众级别”，而且是第一次听到比波普爵士乐这个名词（也被翻译为咆哮爵士乐，吼吼吼），那请麻烦搜一下任何一个大鸟（Charlie Parker)的音乐，打包票你的第一反应是

人们是疯了才来欣赏这种音乐吗？（隔壁free jazz表示不服）

这种音乐的创造不是为了娱乐（除了智力娱乐），更不是为了跳舞，这种音乐就是艺术本身——需要听众用百分之百的注意力，跟随演奏者的每一次和弦改变（前提是，要能听出和弦是什么），跟随每一段对和弦的即兴诠释，跟随每一条演奏者走的“羊肠小道”。不仅是即兴令人昏厥，连“原曲”的旋律也听着像即兴。

这就是一个门槛极高的俱乐部，没想要让普通人加入。

再次强调，这种音乐的创造是为了艺术本身，而不是取悦观众。毕竟“大众”连是根据什么和弦弹的都听不出（于情于理），这种音乐便成了“圈内乐“。

那么，这种音乐是从哪里产生的呢？

7.1 Jam session（爵士音乐即席演奏会——找不到更短的翻译了）

还记得教授口中爵士的三大重要组成部分吗？

摇摆时期很棒，很亲民，但是大乐队的崛起意味着乐手即兴机会的丧失，当几乎没有即兴的爵士乐队越来越多时，爵士艺术家们便开始寻找即兴的机会。

Jam session就提供了这样一个机会。

整个jam session的流程是这样的：会有几个on the house的“节奏乐器”来打底（一般是由钢琴，大提琴，和架子鼓组成的），然后会提前一个星期公布会表演的曲子。当jam session开始的时候，你就可以看到一群铜管乐器手排起队来，一个一个在”节奏乐器“的伴奏下，上台即兴独奏。吹得好了，台下观众鼓掌，你就可以趁着劲儿再吹他几个chorus，但你如果连和弦都吹不对，那么你也会被毫不留情的（这要看观众了）被赶下台。

每个爵士俱乐部都会有一两个"house owner"，也就是吹的最好的那几个。如果你在某个晚上在观众的簇拥下成功踢馆，那么那个house owner也就被“cut”（好狠...)了，所以极强的竞争精神也是充斥于每个jam session的。

这种竞争精神下，爵士音乐家的水平越来越高，吹得也越来越复杂，越来越快。比波普音乐就是在这种环境下诞生的。

7.2 天才们

眩晕（Dizzy Gillespie）

萌芽（Bud Powell)

然后！

膜拜吧，就如公爵统治了摇摆时代一样，大鸟之后再无比波普。

大鸟（Charlie Parker)

一个我很喜欢的拉丁文学大爆炸代表人物，Julio Cortázar，是大鸟的忠粉，所写的《追随者》便是以大鸟做原型。故事是关于大鸟晚期生活的，如有兴趣可找来阅读。

对啦，我学期末即兴表演考试就是用它的曲子

再说三个鼓手吧，毕竟现在的爵士鼓即兴独奏就是以那个时期的“声音”做基础的。

啾啾二（Jo Jones)

疯狂麦克斯（Max Roach)

投弹机(Kenny Clarke)

好了，我找到了自己的声音。

（就开着我的视频继续阅读吧～）

这一切可以从一首曲子说起，直到一个专辑。

若你可花一点时间听一听“Embraceable You“？

在这首曲子中，你会听到两个改变爵士的独奏者：大鸟和英里哥（Miles Davis)。“Embraceable You” 是一首优雅的慢歌，不过大鸟还是一如既往地double time(一拍当两拍用），甚至“quadruple time"，然而英里哥选择了另一条路：大鸟一顿“暴吹“？拒绝模仿。疯狂麦克斯（Max Roach)用密集鼓点暗示double time？拒绝邀请。就这样冷冷清清地吹完了自己的即兴。

世道要变了。

Gil Evans永久地开放了自己的公寓，为了这样一群要改变爵士的人：他们发现无人能超越大鸟了，也发现在大鸟的天才中找不到自己的“声音”，于是将目光投向了杨大叔（Lester Young)和他的冷派（或酷派）爵士。作为这群人的组织者，23岁的英里哥(Miles Davis)在几个月中带领着他们录制音乐，最后通过一首专辑的出版，宣告冷爵士的崛起，专辑名为：

“The Birth of Cool"

嗯。

很好，但是冷爵士玩久了也会腻。

艺术家们总是想要寻找新的激情，就连英里哥自己后来都转行去玩……

改良比波普爵士了（hard bop)——赤裸裸的“背叛”。改良比波普虽然热情不减，但相比于原先的比波普，”改良“后更加重视旋律而不是炫技。

接下来，就来分别介绍这个两个流派的代表人物吧。

8.1 四个钢琴家

Lennie Tristano：

修士（Thelonius Monk）

思考者（Bill Evans)

学校大金主（Dave Brubeck）

8.2 三个小号手

英里哥（Miles Davis）

Gerry Mulligan

面包师（Chet Baker）

8.3 两个萨克斯风手

清澈哥（Paul Desmond）: 跟着Dave Brubeck混，以声音清亮做个人特色。“Take Five"其实是他写的。

火车（John Coltrane）:

8.4一个鼓手

Art Blakey：

曾说过比波普对爵士小白很不友好，那么这个风格会在你刚想踏入爵士的大门时，用门狠狠地向你脑袋扇过来。

是那种……

……的感觉

和弦？曲子？规则？节拍符号？那是什么，不想管。

我有个学爵士的同学，他是一个喜欢在页边做笔记的好读者。

我曾借阅过他的一本关于爵士和声理论的书，在书的最后一页纸上赫然写着：“JUST DO WHATEVER THE FU... YOU WANT!!!"

很先锋，很自由。

Charlie Haden 是一个贝斯手，曾被萨克斯风手Ornette Coleman邀请做音乐。

Coleman递给Haden一个谱子，然后说：“看到我写的这些和弦变化了吗？“

“嗯“

“等我开始即兴了，就别管他们了“

（诶？那你刚刚还问我干嘛？）

接下来，他们不间断地演奏了两天。（wtf！？）

高音王子（Roy Eldridge)曾受邀来欣赏这种新爵士：

“我不管是喝醉了听，还是醒着听，都听不懂……“

当爵士在观众的反方向越行越远，披头士坐着飞机来到了美国。

世道又要变了。

当自由爵士仅存在于抽象表现主义画作的沙龙上的时候，披头士在家家户户的电视机里，千千万万的少女心里。

爵士要完………………

……………………吗？

是的，最令人意想不到的事情发生了，某个神人的归来，又将披头士的歌踢下音乐榜单（虽然是短暂的）。

但不管怎样，新时代来了！

不同的爵士音乐家采用了不同的方式来迎接这一新时代，但基本上可以分为几下几种：

10.1 “顽固不化“

手臂哥回来了。

什么？都多少个年代过去了，手臂哥还在？

没错，他不仅在，而且一点也没变。什么比波普、冷爵士……统统忽略！他仍在吹、唱着自己的摇摆爵士风格（Swing）。

1964年，他的“Hello Dolly"突然火的一塌糊涂，以其超乎想象的欢迎度，将披头士踢下榜首，再次展现了爵士的力量。

之后，手臂哥没有停止。即使心脏衰竭，即使医生警告他会猝死台上，他也没有停止表演，永远用露出所有牙齿的方式演唱，用观众听的懂的旋律吹奏。

因为笔者拖更的缘故，距离第一次介绍手臂哥已经将近两个月。在这期间，笔者逐渐理解了他的那种永远乐观调皮的精神：或许幼稚，但那是最真诚的情感、最真诚的音乐。观众在听完他的音乐后的“偷乐”，是不可替代的。

1971年7月6日，Louis Armstrong 在家中离世。

公爵（Duke）也活着。

他没有停止乐队的演出，虽然反映起起伏伏，他没有停止过用音乐对乐队能力范围的探讨。

直到一次在New Port表演时，他的一个萨克斯风手将一个女士的舞蹈吹到了全国性的报纸上，他的乐团又一次大火。

在他和“学校金主”（Dave Brubeck)一起巡演时的某天早上，他敲开了学校金主的客房门，递给了学校金主一册时代周刊——是以学校金主为封面的。

学校金主后来回忆到，他一生最愧疚在公爵之前登上时代周刊封面，因为学校金主觉得自己不配在这个巨人之前获此殊荣。

公爵也曾有机会获普策力终身成就奖，但因为两个评审用辞职来抗议而不了了之。

直到尼克松上任后给他颁布勋章，他对音乐的贡献才被官方认可。

1972年，他被诊断出肺癌，但他谁也没告诉。

直到住院，他仍在写一出音乐喜剧。

1974年5月24日，他在医院中离世。

当手臂哥和公爵选择继续坚持“以前的东西”时，Cecil Taylor选择继续探索爵士的边缘（也是笔者理解能力的边缘……这……这是艺术？）。可以听听“Bemsha swing“：他就是不给人喘息的机会。

当然，代价是：没人雇佣他做乐手。

所以他会在搬完一天砖后，坐在钢琴前，根据自己准备好的演出曲目表，对着不存在的观众弹奏。

在玩遍摇摆，比波普，冷爵士，改良比波普后，火车(John Coltrane)的故事还远未结束。

他开始了“宗教之旅”：他的音乐不再是音乐， 而是一种宗教的表达。

他认为这种音乐有一种使命，就如同他这时期的专辑名字一样：“A Love Supreme"

即兴也越来越放松和大胆，常会听到白噪音式的旋律，喊叫式的结尾。

如同手臂哥一样，虽疾病缠身，但没有停止。还是一张专辑接着一张专辑出。

在他离世前的12年，他将爵士的定义带到了一个新的高度（发掘了pentatonic playing)。

当然，不是所有人都如此“顽固不化”，有些人找到了新的路子，与新世界“妥协”了。

10.2 药剂师

英里哥（miles davis）被惊呆了。

他看着Sly and the Family Stone在台上接受者观众丧失理智的尖叫，看着昔日同僚被邀请进摇滚乐队后的爆红，而自己已经不再满座的观众席。

此时，巨人已逝，爵士仅仅占音乐行业的3%的收入。

他们明明不懂音乐！为什么比我赚得多！

于是，他变了。

电吉他？加进来。合成器？加进来。摇滚节奏？加进来。来呀来呀，什么受欢迎加什么！

他是又火了一把，但爵士呢？

爵士死了吗？

并没有。

其实讽刺的是，虽然英里哥觉得自己用融合搞死了爵士，但他其实又开启了一个新的时代。

自那个学期结束后后，笔者又在狂补现代爵士，在看完mandarin的演出后，更新的欲望达到满值。反正这个回答也没人看，那就让我纵容纵容自己的表达欲吧：

（有人喜欢夏天吗?)

就是那个天才，劝退无数想要学“爵士编曲”、“爵士演奏”、甚至于“爵士教育”的学生。

那个已经不满足于12个keys，已经把和声理论拓展到“半个key”和“负key“的天才。

那个精通（注意，是精通！）钢琴、合成器、爵士鼓、打击乐器组、（唱）合唱团所有声部、低音大提琴、电吉他、还有……石头的那个天才

Manager: "Ok Jacob, what do we need for the concert in Toronto?"

Jacob: "I need two guys, one for drums one for bass, also a lady who sings in the background sometimes but not all the time, and for myself I will need a piano, an harmonizer, another drum set, a whole arrangement of percussions, upright bass, electric bass guitar, electric guitar, acoustic guitar, a couple hundred ukuleles and this rock I found on the street that makes a cool G half Sharp sound"

Manager： "aight anything else?"

Jacob: "Yea of course that's just for one song"

经理：“好的jacob，你这次演出需要什么？”

jacob：“我需要两个男士，一个打鼓，一个弹贝斯，还有一位女士有时在后台唱歌，但只是“有时“就行了。我自己呢，需要一架钢琴，和声器，另一套鼓，以及一整套打击乐器，低音大提琴，电贝斯，电吉他，原声吉他，几百个夏威夷四弦琴……嗯对， 还有我在大街上发现的，这个能发出酷炫的G半音的石头”

经理：“还有别的吗？”

jacob：“当然，那只是一首歌”

室友在知道我没听过他名字后，惊讶的表情仿若活捉了一只山顶洞人。

在我之后无数无数无数次从无数无数无数人口中听到他名字后，我也理解了他那时候的表情。

所以，来入坑吧！

moon river(一定要是jacob collier 的版本哦，具体原因见之前对爵士音乐格式的介绍）

“跪感“亦不足以衡量那种在他面前渺小无力的感觉。

温馨提示：

如果你入坑了……（我就十分主观地）恭喜你的音乐鉴赏体系已经比“专业乐迷”宽出不知多少了（是的，乐夏，就是你）

也可以听听他的Djesse?

你不知道自己在蹦多么多么多么多么复杂的迪！

我又在室友脸上看到“仿若活捉了一只山顶洞人”的表情。

在我之后无数无数无数次从无数无数无数人口中听到这首曲子和cory henry那段即兴，也再次理解了他那时候的表情。

Cory Henry是这首的soloist，他的即兴，毫不夸张地说：

革新了一个时代

Cory 好到什么地步？

所以你费尽周折（希望不会）找到这首后，先别急着点开，能否看一看下面这一段：

先听那股“劲”

能感受到那股“劲”的力量，是欣赏现代爵士（特别是fusion）的第一步。

所以，试试吧，听这首lingus就是在见证人类音乐的又一次历史性革新。

是的，我更新就是为了他们（还有很多现代爵士没介绍，但真忍不住先讲它了）。

mandarin，不是后摇！不是后摇！不是后摇！（当然，至少目前不是啦）

是fusion！正宗的jazz fusion！就如同从我常去的爵士吧新鲜空运而来的正宗jazz fusion！！

十分感谢乐夏给现代爵士一个迈向大众的窗口，给予“专业乐迷”蒙圈的机会。

但为什么把肖俊的吉他即兴的音量调得那么小，这是他的solo，我们不听他，难道听comping（虽然comping也没有, 哦...）。所以强烈建议读者去反复用耳朵，去抓这个乐夏舞台上难得的诱人solo，去听那股“劲”，而不是

难的是这些节奏能出现在面向大众的舞台，给大众一个机会来理解“复杂”和“乱弹”的区别.

这些所谓“先锋音乐”奠定了流行音乐的层次。

最后，让我们回到开头的那个问题：

爵士已经拥有了这么多种面貌：新奥尔良，摇摆，比波普，冷爵士，改良比波普，拉丁爵士，自由爵士，先锋爵士，融合等等，它不会放弃其任何一个面孔，就如同一棵树一般，不同枝桠仍正在生长。

这就列出爵士目前各方面的"现在式“吧：

新奥尔良：Tuba Skinny乐队

摇摆：各个大学的big band

比波普：各个爵士吧的jam session

冷爵士：（我！我！我！有空听听我弹的呀！视频已经在知乎上啦！）

改良比波普：电影——《爆裂鼓手》中几乎所有音乐，《爱乐之城》中的Summer Montage，还有《TANK！！！！！！！！》(星际牛仔的op）！！！！！！！！！！！！！！！！！！！

拉丁爵士：专辑“Entre Amingos"

自由和先锋爵士：好吧，这个我没太搜集，但真的活得好好的……吧？对吧……唔……？

融合：墨镜叔（herbie hancock）曾演绎过两版"watermelon man"：一个是年轻时的经典爵士，一个是之后的融合过的。感兴趣可以搜来对比一下。哦对，这家伙11岁就开始全球表演了。

还有崭新的现代爵士：

好的……不过……那么……

走了这么远（也感谢您读了这么多），若要回头看看，就会发现爵士如此多元，以至于找到一个囊括所有类别的定义有些困难。

但是，从手臂哥到Mandarin，有一个精神是被所有爵士音乐家秉持的——冒险精神。

不管你是把无数音符吹进一小节的大鸟，还是追求极简的Ahmad Jamal，如果你想拥有“爵士音乐家”这一头衔，你就必须离开舒适区，走向音乐中无人涉足的领域、建立不同音乐体系的桥梁，冒着被排挤、被嘲笑、被“饿死”的风险去探索。

所以尽管爵士再多变，99%的爵士艺术家都不想与Kenny G和Smooth Jazz扯上任何关系。

而不管世界上的音乐如何发展，不管分得的音乐市场份额有多可怜，爵士总是要成为“前卫音乐”的代言人。

于是，

终

…………

……了吗？

并没有，没来得及写的：

radiohead(是的，抱歉这么晚才讲现代爵士对他们的影响）

weather report

esperanza spalding

我的爵士钢琴老师

etc……

(声明：图片版权并不归我）