摄影史｜130. 彩色摄影早期是如何发展的？

自20世纪60年代以来，相机影像最重要的转变是越来越多的创作型摄影师选择了彩色摄影。20世纪后几十年里，彩色胶片及处理技术的改进造就了彩色影像的主导地位，首先是广告和出版领域的照片，最终是用于个人表达的影像。毕竟从一开始，照片中颜色的缺席就一直带有遗憾，手工上色不仅为人们所接受，也被认为是让达盖尔法照片、纸质肖像以及一些风光照片的苍白色调变得鲜活的重要手段。由于摄影师和公众都相信彩色影像更具艺术感且更显自然，整个19世纪下半叶，人们都在致力于寻找可行的彩色处理技术。因此，当卢米埃尔兄弟1907年开始向市场推出奥托克罗姆时，立即取得了成功。奥托克罗姆微粒彩屏干版的色彩效应，是通过往玻璃版上的卤化银乳剂加入染色的淀粉颗粒而获得的。而后来一些改进并简化彩色摄影的实验则基于一种不同的理论，但这些实验同样也涉及了染料与卤化银的结合。当真正实用的彩色胶片出现在市面上时（1935年的三色柯达克罗姆胶片，1936年的阿克发彩色胶片，以及1946年的埃克塔克罗姆胶片），摄影的审美观念已经发生了改变。这一时期的大多数创作型摄影师更加偏爱反映现实的如实摄影影像，并认为胶片染料的华丽色彩对描绘风光、记录社会现状或者唤起主观情感而言，都不适宜。因此，早期使用彩色胶片的人主要是业余摄影爱好者和广告摄影师。尽管多数纪实摄影师和艺术摄影师都无视（或反对）彩色摄影，20世纪四五十年代拍摄快照的业余人士则似乎对其明快的色彩表示满意，而广告界本身就意在探索色彩的潜力，“使难以置信变为真实可信”。20世纪30年代严重的经济大萧条期间，彩色胶片的运用被视作美化滞销产品的一种途径。通过结合真实与非真实，创造抽象和超现实的主张，赋予消费产品光鲜的外观，商业彩色照片的早期热衷者实际上帮助建立了彩色摄影工作的一个方向。在过去的40年中，大量以关注自我表达为主的摄影师进一步拓展了彩色摄影的领域。战后不久，由于美国视觉艺术领域盛行抽象主义之风，为数不多的几位曾在早年做过彩色胶片实验的非商业摄影师，对其形式上的可能性而不是描绘能力产生了极大的兴趣。在一幅创作于1946年的以窗户标识为主体的抽象作品中，亚瑟·西格尔（Arthur Siegel）将红色的霓虹灯管处理成了布满线状图案的画面元素——这种关于紧张刺激的视觉隐喻，不仅让人想到现代城市生活的压力，同时也联想起几位抽象表现主义画家的绘画风格。

然而，影像的温和色调与如今所能呈现的效果相比，反映了早期彩色摄影热衷者存在的局限性。就空间描绘而言，哈里·卡拉汉（Harry Callahan）的彩色作品似乎更具幻想特征，在这幅表现街边小摊的世俗景致中，蓝绿、黑色和红色色块的激烈拼抢，凸显了几何构图的简洁和色彩对比的鲜明，从而给人以愉悦之感。

自然风光而不是人造景观吸引了几位早期的非商业彩色摄影师。例如，艾略特·波特（Eliot Porter）和查尔斯·普拉特（Charles Pratt）利用彩色胶片，不仅创作出了通常意义上令人满意的影像，同时还捕捉到了不同光线条件下树叶和岩石呈现出的色彩层次。从拍摄鸟类生活开始职业生涯的波特，常常着力于展现草与树叶的精细纹理和美妙色彩。

随着彩色感光材料的改进，更多以自然界为拍摄主题的摄影师改用彩色摄影这一手段，或表现自然之美，或表达对自然界遭受破坏的忧虑。

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^亚瑟·西格尔（1913-1978），美国摄影师和摄影教育家。

^哈里·卡拉汉（1912-1999），美国摄影师和摄影教育家。

^艾略特·波特（1901-1990），美国摄影师。